Consagrada como uma espécie de embaixatriz da arte e cultura no Brasil, a japonesa naturalizada brasileira Tomie Ohtake é um exemplo de que se pode obter êxito na carreira artística mesmo iniciando-a tardiamente. Representante do movimento abstracionista, a artista destacou-se na pintura, gravura e escultura, contabilizando mais de 120 exposições individuais, outras centenas coletivamente e diversas premiações em seu currículo.
Tomie Nakakubo nasceu em 21 de novembro de 1913 na cidade de Kyoto, no Japão. Em seu país natal, a jovem Tomie sempre teve contato com a arte da caligrafia, tão valorizada nos países orientais. Assim, mesmo que informalmente, não demorou a começar a desenhar.
Aos 21 anos veio ao Brasil para visitar um de seus irmãos, entretanto este adiou o retorno da irmã ao Japão devido às tensões políticas vividas pelo país na época. Tomie então conheceu o engenheiro agrônomo Ushio Ohtake com quem se casou em 1937 e o que inicialmente era para ser uma breve visita ao Brasil, tornou-se sua residência definitiva.
Diferente de outros artistas famosos, Tomie começou a pintar quando já estava com 40 anos e atingiu o seu auge artístico por volta dos 50 anos. Incentivada a pintar pelo artista Keiya Sugano, começou a explorar nas suas primeiras telas imagens que lembram nebulosas, com a preferência no uso de duas ou três cores predominantemente.
Dois anos após começar a pintar, passou a integrar o Grupo Seibi, prestigiada associação japonesa situada na zona sul de São Paulo que tinha como objetivo ser um espaço para produção, divulgação e discussão sobre obras produzidas por japoneses e descendentes de japoneses. Esta foi a primeira ocasião em que as telas de Tomie Ohtake puderam ser notadas, rendendo-lhe até mesmo uma menção honrosa.
Quando a sua obra floresce, em meados da década de 60, há a recorrência do uso de tons contrastantes com pinceladas que exploram a transparência e equilíbrio das cores, através de uma tinta muito diluída. Em suas pinturas dessa época, a artista busca expressividade ao destacar figuras geométricas coloridas. Nesta década, foi premiada no Salão Nacional de Arte Moderna e abençoada com a Ordem do Rio Branco pela concepção da obra comemorativa aos 80 anos da imigração japonesa, em São Paulo.
Já em 1970, Tomie Ohtake inicia a sua produção de gravuras com serigrafia e litogravura. Já em seus quadros, mesmo que de caráter abstrato, há a insinuação de paisagens com destaque para linhas curvas e formas orgânicas. Ainda na década de 1970, a artista foi convidada a participar da Bienal de Veneza.
Enfim, é na década de 1980 que os tons mais quentes e os contrastes mais intensos de cores permeiam as suas obras, também há uma intensa produção de obras e monumentos públicos. Em 1983 o MASP realiza uma grande retrospectiva sobre artista, tornando o nome de Tomie Ohtake reconhecido pelo grande público. É desta época a escultura Estrela do Mar (1985) obra que se situava no espelho d’água da Lagoa Rodrigo de Freitas e posteriormente foi desmontada e perdida na década de 1990.
As criações de Tomie Ohtake continuaram a todo vapor na década de noventa. Suas telas voltaram a exibir as pinceladas delicadas e harmoniosas, além do uso de cores uniformes. Em 1991, criou os quatro painéis em pastilha vitrificada da Estação Consolação do Metrô. E na 23ª Bienal de São Paulo, em 1995, ganhou uma sala especial apenas com suas esculturas.
Nos anos 2000 foi criado o Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, com o intuito de ser um espaço que pudesse abrigar mostras nacionais e internacionais de artes plásticas, arquitetura e design. Embora já na casa dos 90 anos, a artista não parou de produzir as suas obras com regularidade. Tomie Ohtake faleceu em 2015, aos 101 anos de idade.
Para conhecer mais obras do artista acesse a pasta que criamos: https://br.pinterest.com/thaisslaski/arte-matérias-do-site/tomie-ohtake/
Crédito Imagens:
https://www.institutotomieohtake.org.br
Se no ocidente o jogo de luzes e cores ganham destaque nos quadros, na Pintura Chinesa é o traço delicado e expressivo que dominam as telas. A arte milenar chinesa tem como base o pincel, a tinta, o papel e os tinteiros. Assim, em suas representações há uma predominância de paisagens, personagens, flores e pássaros com múltiplas perspectivas e sobreposição de figuras.
Desta maneira, a tinta utilizada nas pinturas é preparada a partir de uma barra de tinta sólida. O efeito obtido pela tinta se dá através da utilização de muita ou pouca água, dependendo do que o artista deseja criar. O papel utilizado é o xuan, criado através da amoreira, bambu ou juta que resulta em um papel de cor branca e bastante resistente.
A pintura chinesa assume um tom poético ao combinar a pintura, caligrafia e poesia, denominadas como as três perfeições. Reunidas com o intuito de expressar o sentimento do artista, tal qual uma melodia. Para tanto, recorre-se a pontos, traços e à energia da pincelada.
poema ou história, o nome do autor e seu selo.
A arte egípcia se desenvolveu há mais de 3000 a.C. por meio da civilização do Antigo Egito, em diversas áreas tais como pintura, escultura e arquitetura e é objeto de estudo e admiração até os dias de hoje. Com predominância de temas religiosos, a arte egípcia é demarcada por diversos períodos e estilos como Época Tinica, Reino Antigo, Reino Médio, Reino Novo, Época Baixa, Período Ptolemaico, entre outros períodos intermediários.
e modo de pensar. Neste ínterim, também é possível rastrear a motivação que levava os egípcios a conceber as suas obras artísticas.
proporcionalidade que revelava a sua importância dentro da sociedade. Por isso, o faraó era sempre a maior figura e o destaque em uma representação e esta proporcionalidade era replicada aos diferentes escalões, até chegar aos escravos que estavam no último nível da Pirâmide Social Egípcia.
Movimento que surgiu entre as duas Guerras Mundiais, o Surrealismo recebeu influência do Dadaísmo, além de se apoiar nas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud e nas pinturas metafísicas de Giorgio De Chirico. É um dos estilos de vanguarda que abriram as portas para o modernismo e marcou presença não apenas nas artes plásticas, como também na literatura, teatro e cinema.
valorização do inconsciente, em contrapartida ao racionalismo e ao materialismo tão enraizado nas sociedades ocidentais. Partindo deste princípio, as obras surrealistas são concebidas muitas vezes de maneira automática ou através do Onirismo, buscando concatenar sonho e realidade em suas representações pictóricas.
Salvador Dalí, o nome mais forte do Surrealismo, chegou até mesmo a ser expulso pelo artista André Breton, um dos precursores do movimento, devido a divergências políticas, mas isso não foi o suficiente para desassociar o nome de Dalí do estilo surrealista. O artista explorava como nenhum outro as imagens oníricas em suas telas, como pode ser observado na famosa obra A Persistência da Memória que o pintor espanhol diz ter concebido em apenas 5 horas. No quadro se destacam os icônicos relógios derretidos, em meio a uma paisagem aparentemente comum.
Renomado artista plástico mexicano, Diego Rivera destacou-se na prática do muralismo. Através de seu trabalho artístico, buscava resgatar as raízes de seu povo e enaltecer a cultura mexicana. Famoso por suas ideologias políticas e vida amorosa conturbada, teve quatro casamentos, um dos quais com ninguém menos que Frida Kahlo.
diversas figuras artísticas de destaque e que viriam a influenciar a sua obra como Picasso, Dalí, Miró e o arquiteto Antonio Gaudí.
Diego Rivera era ateu e comunista, dois aspectos de sua vida que deixava transparecer fortemente em sua produção artística. Em 1930 o artista mexicano empreendeu uma viagem aos Estados Unidos, onde permaneceu por 4 anos. No país norte-americano, Rivera pintou diversos murais, destacando-se um no Rockfeller Center que foi eliminado antes mesmo de sua conclusão, pois o conteúdo era uma dura crítica ao capitalismo.
(1931), Vendedora de Flores (1941) e Carregador de Flores (1935). O artista era dotado de um estilo expressivo, abordando temas nacionais, sociais e culturais de forma direta, fazendo uso abundante de cores vivas. Diego Rivera faleceu aos 70 anos, deixando uma vasta obra composta por mais de três mil quadros, cinco mil desenhos e por volta de cinco mil metros de murais.
Célebre artista plástico brasileiro, Burle Marx ganhou fama internacional com o seu trabalho na área de paisagismo. Visionário e multidisciplinar, Burle Marx desenvolveu também trabalhos como pintor, gravador, litógrafo, escultor, tapeceiro, ceramista, design de joias e decorador.
de 1928 a 1929. Além de ter contato com as vanguardas artísticas, visitou exposições de artistas de destaque como Picasso, Matisse e Van Gogh, e também estudou pintura no ateliê de Degner Klemn.
Seu primeiro projeto na área de paisagismo foi a Praça de Casa Forte no Recife. Na cidade nordestina Burle Marx assumiu o cargo Diretor de Parques e Jardins do Departamento de Arquitetura e Urbanismo de Pernambuco o que lhe permitiu desenvolver outros grandes projetos como a Praça do Entroncamento, Praça Euclides da Cunha, entre outras.
Uma das artistas mexicanas mais influentes do século XX, Frida Kahlo teve sua vida marcada de acontecimentos trágicos, mas que a levaram a encontrar na arte e uma forma de superação.
Escola Nacional Preparatória do Distrito Federal do México. Em 1925 aprendeu técnicas de gravura com Fernando Fernandez.
Em 1928 ela entrou para o Partido Comunista, época em que conheceu Diego Rivera, com quem se casou um ano depois. Rivera, também era artista e dedicava-se à pintura de murais, e exerceu forte influência no desenvolvimento do estilo marcante de Frida.
elementos considerados surrealistas. Frida dizia não se enquadrar no surrealismo, uma vez que para ela “não pintava sonhos, mas sim a sua própria realidade”.
Nos anos 1980, a cultura hip hop ganhou força no Brasil e, em São Paulo, dois irmãos gêmeos do bairro do Cambuci começaram a explorar os espaços públicos para se expressar por meio do grafite. A arte dos Gêmeos invadiu muros, prédios e galerias do Brasil e do mundo.
O que mais chama atenção para o trabalho dos OSGEMEOS, como eles assinam as suas obras, é a maneira como um complementa o outro artisticamente. No site dos artistas há a seguinte afirmação em destaque: “Nosso processo criativo é tão natural para nós, que é até difícil de explicar. Parece que existe um fio, vamos sempre estar conectados, mesmo quando estamos longe um do outro. É um vínculo eterno.”
comentou que “Sempre tenta transformar algum aspecto negativo [da cidade] em positivo, mesmo que de maneira impactante”. Além de enxergar o grafite como um elemento de “respiro” em meio ao caos da cidade.
As obras do pintor suíço Franz Gertsch impressionam não apenas por serem concebidas em telas que ultrapassam os dois metros de altura, mas também pelos detalhes surpreendentemente realistas.
Gertsch desenvolve representações com modificações que nascem de sua imaginação.
Suas pinturas possuem referências tanto da Pop Art, quanto das técnicas mais tradicionais de pintura a óleo. Já suas xilogravuras ganham um tom abstrato com representações detalhistas de águas ondulando ou das lâminas de grama, como pode ser observado nas obras Maria II (2017) e Gräser I (1995/96).
em exposições renomadas como documenta 5 em 1972, em Kassel e na Bienal de Veneza de 1999.
Perthshire, na Escócia e posteriormente Lake District, na Grã-Bretanha. Foi nesses lugares que ela aprendeu a amar a natureza e a importância de sua preservação. Também foi educada em artes e histórias natural, fatores que seriam determinantes para o desenvolvimento de seu trabalho.
frequentadora das galerias de artes de Londres.
um verdadeiro treino para a carreira artística. Uma das cartas inclusive, continha a história de quatro coelhinhos chamados Flopsy, Mopsy, Cottontail e Peter que se tornaram a base de seus trabalhos.
Já no ano seguinte a escritora e ilustradora lançou mais dois livros, A História do Esquilo Trinca-Nozes e O Alfaiate de Gloucester, ambos baseados em cartas que ela escrevia para as crianças. Ao todo, Beatrix Potter lançou 23 livros infantis em toda a sua carreira que já foram traduzidos em 36 línguas e somam mais de 45 milões de exemplares vendidos. Beatrix Potter faleceu aos 77 anos, em Lakeland, deixando para o National Trust mais de 4 mil acres e 15 fazendas.