Pintor e escultor, Fernando Botero é um artista figurativista colombiano reconhecido principalmente por seus trabalhos em que representa personagens volumosos e que carregam um viés de crítica à ganância humana.
Fernando Botero Ângulo nasceu em 19 de abril de 1932, em Medelín, na Colômbia. Desde cedo se interessou por arte, especialmente pelo estilo barroco que dava forma às igrejas coloniais 
de sua cidade e aos 15 anos começou a vender os seus primeiros desenhos. Seu primeiro emprego foi em 1948 como ilustrador do El Colombiano e ainda naquele ano realizou a sua primeira exposição coletiva.
Artista precoce, Botero realizou a sua primeira exposição individual no ano de 1951, em Bogotá. Ganhou o segundo lugar ao participar do São dos Artistas Colombianos e no ano seguinte, o artista mudou-se para a Espanha, onde frequentou a Academia de San Fernando de Madri. Erradicado na principal cidade espanhola, costumava frequentar o Museu do Prado e copiar as obras de Velásquez e Goya.
Nesta ocasião, Botero também começou a se interessar pelos temas políticos dos muralistas mexicanos, como Diego Rivera, fato que veio a influenciar as suas obras posteriores. Outra grande influência ao seu estilo veio em 1953, quando ingressou na Academia de San Marco, em Florença, e teve contato com a arte renascentista italiana.
Dois anos depois retornou para o seu país natal e realizou uma exposição na Biblioteca Nacional, além de ser nomeado professor da Escola de Belas Artes da Universidade Nacional. Foi a partir de 1955 que Fernando Botero começou a expandir a forma de suas figuras e deu início ao que seria o seu estilo único e inconfundível.
Botero partiu para os Estados Unidos em meados de 1957 e ainda naquele ano realizou a sua primeira exposição no país. Na década seguinte começou a realizar exposições em diversos lugares do mundo. Já em 1971 passou a dividir residência em Paris, Bogotá e Nova York. Foi no ano de 1973 que o artista elaborou a sua primeira escultura
Pintor obstinado, Botero traz em suas produções um compilado de influências artísticas que culminam em um resultado singular e muitas vezes polêmico. A cor em suas obras possui um papel fundamental, sendo utilizada em tons vivos que iluminam a pintura.
Os números de Botero são impressionantes. O artista possui mais de 3 mil pinturas, 200 esculturas e coleciona em seu currículo mais de 50 exposições individuais. Em suas obras mais reconhecidas, Botero revisitou importantes artistas e obras da história da arte. Assim, a Mona Lisa, de Da Vinci, ganhou formas mais arredondas, tal como o famoso O Casal Arnolfini, de Jan van Eyck. Seu traço facilmente reconhecível ganhou o nome de “boterismo”.
Atualmente, Botero mantém dois ateliês, um na Itália e outro em Mônaco. O pintor de 87 anos é um dos artistas contemporâneos mais politizados e permeia em algumas de suas produções artísticas o retrato da violência na América Latina.
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Famoso especialmente por suas paisagens impressionistas, Alfred Sisley foi um pintor francês de ascendência britânica. Ao lado de importantes pintores como Renoir e Manet, o artista ajudou a dar voz ao Impressionismo na França do final do século XIX.
Entretanto, o jovem aproveitou a viagem para visitar diversos museus ingleses e copiar obras de artistas como Constable, Turner e Bonington. Ao regressar a Paris, foi estudar arte no ateliê de Gleyre onde conheceu Renoir, Bazille e Monet. Revolucionários, estes artistas buscavam retratar na pintura os efeitos da luz e saíam para elaborar suas obras ao ar livre, reunindo-se no bosque de Fontainebleau.
A principal influência de Sisley foi o pintor realista Jean-Baptiste Camille Corot, não à toa, suas primeiras obras eram pintadas em tom mais escuro. Posteriormente, o artista francês começou a empregar cores mais claras e vivas, concebidas com leveza e pinceladas mais livres. Assim como Camille Pissarro, foi um dos pintores que mais se dedicou às técnicas características do impressionismo, focando-se principalmente em paisagens que assumiam um tom lírico e de beleza em suas representações. Desta época, destaca-se uma série de pinturas às margens dos rios.
Entre as principais obras de Sisley estão também O canal Saint-Martin em Paris (1870), A ponte em Argenteuil (1872), Ponte no Villeneuve-la-Garenne (1872), Regata em Hampton Court (1874), Neve em Louveciennes (1875), As cheias em Port-Marly (1876), As margens do Oise (1877-78) e Neve em Véneux (1880).
viver exclusivamente de sua arte. No ano de 1874 participou da exposição independente ao Salão Oficial de Paris, porém não conseguiu vender nenhuma das cinco telas que expôs. O artista vendeu algumas de suas telas apenas na exposição que ocorreu no ano seguinte, junto com os colegas impressionistas.
Em 1877, Sisley mudou-se para a comuna francesa de Sèvres, onde registrou a aldeia em uma série de telas. O artista continuava enfrentando dificuldade de encontrar compradores para as suas obras, amargando fracassos em exposições ano após ano.
Um dos nomes mais influentes do cenário artístico do século XX, a japonesa Yoko Ono é uma artista plástica vanguardista, cantora, compositora e cineasta. A artista traz à tona temas como feminismo, arte conceitual e questionamentos sobre a própria arte. Seu nome ganhou projeção mundial a partir da ligação profissional e amorosa com John Lennon e polêmicas à parte, o fato é que sua obra nunca poderia passar despercebida.
Nascida em 18 de fevereiro de 1933, em Tóquio, no Japão, Yoko Ono é a primeira filha do casal Isoko e Yeisuke Ono, ambos de linhagem abastada. Além da excelente educação que a origem rica lhe proporcionou, desde cedo Yoko teve contato com as artes, pois o pai havia sido pianista e mãe era budista e pintora clássica.
Entretanto, em meados de 1956, ao se formar na faculdade de música, Yoko decidiu galgar o caminho artístico sem o auxílio financeiro de sua família. Em um loft alugado em Manhattan, começa a fazer experiências sonoras ao lado do colega John Cage e do coreógrafo Mercy Cunningham. Juntos participam do grupo chamado Fluxus que passa a influenciar diversos artistas vanguardistas.
experimentais, além de explorar a arte conceitual. Em 1964 criou uma das suas performances mais famosas: Cut Piece, em que se expôs imóvel diante do público que podia usar uma tesoura para cortar de qualquer maneira pedaços da roupa da artista. Nesta obra, além de explorar a relação de confiança entre artista e expectador, Yoko propõe uma reflexão sobre a maneira como as mulheres são tratadas.
É no ano de 1966 que se dá o encontro entre o casal mais icônico da cultura pop. John Lennon se vê encantado com a produção artística de Yoko, a qual teve a oportunidade de conferir em uma exposição em Londres. Os dois então iniciam uma amizade com direito a diversas colaborações artísticas e por fim, os dois terminam seus atuais relacionamentos para viver um intenso romance.
de 1970. Durante muito tempo Yoko foi apontada como o pivô da separação, fato que foi desmentido em entrevista pelo próprio Paul McCartney.
Precursor do expressionismo, Edvard Munch foi um pintor norueguês que encontrou em sua obra uma forma de dar vazão aos sentimentos de uma vida marcada por acontecimentos trágicos. Sua composição artística muitas vezes chocou a sociedade, mesmo assim, o artista alcançou ainda em vida prestígio internacional.
meses após se casar, já a irmã mais nova sofria com transtornos mentais. Seu pai tinha depressão e arroubos de fanatismo religioso, por isso, a educação de Munch ficou a cargo de uma tia que o apresentou às telas e pincéis.
Contudo, entre os anos de 1885 e 1889, em viagem a Paris, teve contato com a obra pós-impressionista, especialmente de Van Gogh e Gauguin, que veio a exercer influência sobre o desenvolvimento do seu estilo artístico.
objetivo mostra na tela o impacto emocional, os sentimentos e as experiências mais íntimas do artista.
Aquele ano também marcou o seu retorno definitivo à Noruega. Já em 1909 realizou uma exposição que foi sucesso de vendas. Munch ganhou ainda um concurso para decorar com painéis o salão nobre da Universidade de Oslo. O artista então passa a pintar quadros mais leves e com uma aura menos pessimista.
O retrato modernista do Brasil com seus temas sociais, culturais, religiosos folclóricos e festas populares, ganhou projeção internacional através da obra de Candido Portinari. O artista plástico brasileiro pintou ao longo da vida mais de 5 mil obras e é um dos nomes mais prestigiados do cenário artístico nacional do século XX, ganhador de diversos prêmios importantes.
Filho de imigrantes italianos, Candido Portinari nasceu na cidade de Brodowsky, interior do estado de São Paulo em 30 de dezembro de 1903. Desde cedo demostrou interesse artístico, porém sua origem humilde não permitiu que ele sequer completasse o ensino básico.
Com 20 anos de idade, Portinari já era referência dos periódicos da época que ajudavam a projetar o seu nome, além disso, o artista já havia participado de diversas exposições. O jovem pintor, já nesta ocasião, começa a demonstrar interesse pelo movimento modernista.
Um artista que serviu como inspiração e exerceu influência na produção artística de Portinari foi Picasso. O artista brasileiro encantou-se pela obra Guernica, de Picasso, ao vê-la exposta no MoMA. A partir deste momento, passa a empregar mais dramaticidade ao retratar as mazelas do povo brasileiro, como pode ser observado na obra Os retirantes (1944).
Já na década de 1950 recebeu medalha de ouro do Prêmio Internacional da Paz e é o nome de destaque da 1ª Bienal de São Paulo. E em 1955 é premiado com a medalha de ouro do Internacional Fine-Arts Council de Nova York, como melhor pintor do ano.
Famoso por seu retrato singular da cultura, arquitetura e belezas naturais baianas, além da capoeira e dos rituais afro-americanos, Carybé foi um artista versátil e se destacou como pintor, gravador, desenhista, ilustrador, escultor, muralista, pesquisador, historiador e jornalista.
Carybé é o nome artístico de Hector Julio Páride Bernabó, nascido em 7 de fevereiro de 1911 na província argentina de Lanús. Quinto filho do casal Enea Bernabó e Constantina González de Bernabó que tinham origem, respectivamente, italiana e brasileira. Como o casal costumava viajar com frequência, tiveram o filho primogênito no Brasil, as filhas Zora e Delia, no Paraguai e os caçulas Roberto e Hector, na Argentina.
Contudo, a vida no Brasil mostrou-se igualmente difícil, o pai de Hector demorou a conseguir emprego, por isso, a mulher teve que ensinar suas artes aos filhos para que estes pudessem ajudar no sustento da família. O jovem Hector tornou-se escoteiro do Clube de Regatas do Flamengo que costumava dar nome de peixes aos escoteiros, foi então que assumiu o nome de Carybé, pequeno peixe amazônico.
No ano seguinte, o irmão de Carybé, Roberto, conseguiu um contrato para fazer as decorações de carnaval dos hotéis Glória e Copacana Palace e o dinheiro que recebeu possibilitou que a família viajasse para a Argentina.
Então, foi contratado pelo jornal Él Pregon que lhe permitiu viajar o mundo desenhando e escrevendo reportagens sobre cada porto que visitava. Ao desembarcar na Bahia, entretanto, recebeu a notícia de que o jornal havia falido. Encantado com a cultura baiana, Carybé se descobriu verdadeiramente pintor.
Em 1950 foi morar definitivamente na Bahia, onde desenvolveu uma forte relação com as manifestações culturais locais e trouxe elementos do candomblé, capoeira e samba de roda para os seus trabalhos. Ao lado de artistas como Jenner Augusto, Mário Cravo e Genaro Carvalho teve papel fundamental na renovação das artes plásticas do estado.
parte de sua obra encontra-se no Museu Afro-Brasileiro de Salvador, que abrangem 27 painéis que simbolizam os orixás baianos esculpidos em cedro.
A obra de Athos Bulcão não foi concebida para os olhos acostumados aos museus e galerias, mas sim, para o olhar atento que percorre as ruas de Brasília, seja a caminho do trabalho, escola ou em mero passeio. O artista brasileiro consagrou-se como pintor, escultor e desenhista, especialmente por seus painéis que engrandecem o concreto da capital brasileira.
Nascido no Catete, Rio de Janeiro, em 2 de julho de 1918, Athos Bulcão da Silva Pinto Neto, passou a infância em Teresópolis. Perdeu a mãe antes dos 5 anos e, por isso, foi criado por seu pai Fortunato Bulcão, amigo e sócio de Monteiro Lobato.
Assim, Bulcão cresceu um menino tímido e cheio de imaginação em uma família com muito interesse por arte. Suas irmãs mais velhas costumavam levá-lo em óperas, teatros museus e galerias. Além disso, na juventude contou com a amizade de importantes artistas do cenário brasileiro moderno como Burle Marx, Fernando Sabino, Vinicius de Moraes, Manuel Bandeira, entre outros.
Aos 21 anos, desistiu do curso de medicina para se dedicar às artes visuais. Por influência de amigos, Bulcão conheceu Candido Portinari, tornando-se aprendiz e ajudante do artista plástico. Teve a oportunidade, em 1945, de participar da criação do Mural de São Francisco de Assis na Pampulha, Belo Horizonte. Dessa maneira, com Portinari aprendeu sobre desenhos e cores, criando o hábito de planejar meticulosamente as cores que usaria antes de iniciar seus trabalhos.
Em seguida, Athos Bulcão mudou-se para Paris e viveu na cidade entre os anos de 1945 e 1949 com bolsa de estudos concedida pelo governo francês. Estudou desenho na Académie de La Grande Chaumière e litografia no ateliê de Jean Pons.
De volta ao Brasil, trabalhou como funcionário do Ministério da Educação e Cultura e fez ilustrações de catálogos e livros, incluindo O Encontro Marcado e A Cidade Vazia, de Fernando Sabino. Também desenhou capas para a revista Brasil Arquitetura Contemporânea e Módulo de Arquitetura.
Na década de 1950, Bulcão realiza fotomontagens com imagens captadas por ele. Já em 1955 participa do projeto de transferência da capital para Brasília. Nesse viés, trabalha juntamente com Oscar Niemeyer na Campanha Urbanizadora da Nova Capital, tornando-se um dos principais artistas a desenvolver uma obra integrada à arquitetura. Foram criados murais, painéis e relevos para os edifícios do Congresso Nacional, Câmara dos Deputados, Teatro Nacional Claudio Santoro, Palácio do Itamaraty, Palácio do Jaburu, Memorial Juscelino Kubitschek, Capela do Palácio da Alvorada, Hospital Sarah Kubistchek e outros.
Equilibrando arte e arquitetura, Bulcão criou em seus azulejos modulações e grafismos com base nas formas geométricas. Há também um aproveitamento e integração da natureza com os efeitos da incidência da luz solar. Tudo desenvolvido para apreciação do público em geral.
O artista também estabeleceu parceria com o arquiteto João Figueiras Limas, na década de 1960 e na década seguinte voltou a trabalhar com Niemeyer, desta vez em projetos na França, Itália e Argélia.
Ainda em vida recebeu diversos prêmios, inclusive foi condecorado com a Ordem do Mérito Cultural em 1995, pelo Ministério da Cultura. Já em 2016, foi homenageado durante a abertura dos Jogos Olímpicos no Rio. Além disso, na ocasião do centenário de seu nascimento o Google prestou homenagem ao artista através de um Doodle com azulejos coloridos.
Com uma arte atemporal e que foge de classificações, a artista plástica Lygia Clark conquistou um lugar de destaque no cenário artístico brasileiro. Sua obra não é algo estático, pelo contrário, transmite ao expectador um mundo de possibilidades e de transformação.
Lygia iniciou os seus estudos em artes quando já estava com 27 anos, casada e mãe de três filhos. Tornou-se então aprendiz e aluna de Roberto Burle Marx. Já aos 30 anos, viajou para Paris, onde estudou com Arpad Szènes, Dobrinsky e Léger. Dois anos depois, realizou a sua primeira exposição individual no Institut Endoplastique. De volta ao Brasil, expôs no Ministério da Educação e Cultura.
materialidade do ritmo. Ainda naquele ano participou da Bienal de Veneza com a série Composições. Lygia também trabalhou com instalações e body art, além de dedicar-se a pesquisas da linha orgânica.
Assim, em 1959 assinou o Manifesto Neoconcreto em parceria com Amílcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Pape, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis. Propõs uma ruptura com os suportes tradicionais na pintura. Na década de 1960 utiliza em suas criações materiais como metal e borracha, abandonando a dureza de materiais como a madeira.
A artista levou tinta às molduras de alguns de seus quadros com o intuito de quebrar paradigmas. A proposta pode ser observada, por exemplo, na obra Unidades de 1959. Entre os anos de 1960 e 1964 cria a obra Bichos, em que propõe a participação do público. Lygia elaborou diversas esculturas de bichos em alumínios que o expectador poderia manipular e descobrir seus formatos. Por este trabalho, em 1961, a artista recebeu o prêmio de melhor escultora na Bienal Internacional de São Paulo.
Destacam-se também entre as principais produções de Lygia Clark, Obra Mole (1964), Nostalgia do Corpo: Diálogo (1968) e Babá Antropofágica (1973). Estes exemplos se caracterizam pela exploração sensorial do púbico, uso de diversas matérias-primas como metal, madeira e borracha, compondo objetos tridimensionais. A artista faleceu em 25 de abril de 1988, no Rio de Janeiro.
O pintor francês Paul Cézanne revolucionou a história da arte ao introduzir uma visão única para as suas composições, destacando-se entre os pintores pós-impressionistas pelo uso de distorções formais e alterações de perspectiva. O artista já explorava em seus trabalhos figuras levemente geométricas, o que o alçou como uma ponte entre o impressionismo do século XIX e o cubismo do início do século XX.
uma firma bancária, o que lhe proporcionou uma vida sem preocupações financeiras. Aos 10 anos começou a estudar desenho na Escola São Jose, em sua cidade natal. Já em 1852 conheceu o consagrado escritor francês Émile Zola, ambos estudavam no Colégio Bourbon e se tornaram amigos.
foi buscar desenvolvimento artístico em Paris, influenciado pelo amigo Zola que já se estabelecera na cidade. Na cidade parisiense conheceu o impressionista Camille Pissarro que assumiu um papel de mestre e mentor de Paul Cézanne.
Paris um ano depois e se matriculou na Academia Suíça com o intuito de se tornar pintor profissional. Nessa época, conhece artistas impressionistas como Manet, Monet e Renoir.
pintar ao ar livre e vai clareando gradativamente sua paleta de cores. Entretanto, é na década seguinte que sua carreira evolui mais ainda, rompe com o amigo Zola, uma vez que se vê representado no personagem principal do livro “A obra” e começa a pintar retratos, natureza-morta e paisagens.
Entre as suas principais obras estão Retrato de Louis-Auguste Cézanne, o pai do artista (1866), Autorretrato com um chapéu de palha (1875), A banhista (1885) e Os jogadores de Cartas (1890-95). Em 2011, uma das versões de Os jogadores de Cartas foi vendida para família real do Qatar por cerca de 190 milhões de euros, se tornando a obra de arte mais cara já vendida até então.
Um dos nomes mais importantes da primeira fase do modernismo brasileiro, Anita Malfatti foi uma das peças-chaves na realização da Semana de Arte Moderna de 1922. Ao lado de Tarsila do Amaral, a pintora e desenhista Anita Malfatti ajudou a escrever um novo capítulo para as mulheres na história da arte brasileira. Com seu estilo marcante se dedicava a expressar temas do cotidiano empregando cores puras e vibrantes.
Anita Malfatti nasceu em 02 de dezembro de 1889, em São Paulo. Filha do engenheiro italiano Samuele Malfatti e da norte-americana Eleonora Elizabeth Krug, carregou desde o nascimento uma atrofia no braço e na mão direita. Teve como tutora na infância uma senhora chamada Miss Browne que lhe ajudou a treinar a escrita e o desenho com a mão esquerda.
A jovem recebeu a educação formal de 1897 a 1906, primeiramente no Externato São José, de freiras católicas, posteriormente estudou Escola Americana e no Mackenzie College (atual Universidade Presbiteriana Mackenzie). Formou-se como professora aos 19 anos de idade.
Em 1910, Anita teve a oportunidade acompanhar duas amigas que iriam estudar música na Europa e teve a sua viagem financiada pelo tio Jorge Krug. Na Alemanha, frequentou o ateliê de Fritz Burger e a Academia Real de Belas Artes de Berlim, onde teve contato com a pintura expressionista.
Retornou ao Brasil em 1914 com o intuito de conseguir uma bolsa de estudos, porém seus tiveram que ser adiados devido a Primeira Guerra Mundial. No mesmo ano fez a sua primeira exposição individual na Casa Mappin, ocasião em que apresentou os seus estudos de pintura expressionista.
A mais ferrenha das críticas que Anita recebeu partiu de Monteiro Lobato que na época escrevia para o jornal Estado de São Paulo. Como resultado, outras publicações a atacaram também e quadros da exposição que foram vendidos começaram a ser devolvidos. Por conta da repercussão negativa, a artista ficou um ano sem pintar.
Contudo, no ano de 1919 conhece Tarsila do Amaral. As duas artistas tinham aulas com Pedro Alexandrino, que ajudava Anita a vender seus trabalhos, e George Fisher Elpons. Anita integrou o Grupo dos Cinco, composto por Tarsila, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade e participou da Semana de Arte Moderna, no ano de 1922, com 22 trabalhos.
De 1923 a 1928, Anita retornou à Europa para estudar com uma bolsa do Pensionato e realizou exposições em Berlim, Paris e Nova York. De volta ao Brasil em 1929, encontrou um ambiente muito mais favorável para quem se dedicava às artes, o que a fez se estabelecer definitivamente em São Paulo. Além de criar seu próprio ateliê, onde criava e dava aulas, também trabalhou como professora no Mackenzie College. Em 1942 foi nomeada presidente do Sindicato dos Artistas de São Paulo.
O estilo de Tarsila é facilmente reconhecido por sua liberdade de composição, pinceladas livres que valorizam os tons fortes e uma técnica de luz que foge ao clássico claro e escuro. A figura central e o fundo da tela ganham um destaque dinâmico e tenso que não passam despercebidos ao observador.