Quer ver o video todo? Acesse ele completo: https://www.youtube.com/watch?v=51L25…
Aprendendo Pintura a Óleo
Pintura a Óleo
O óleo sobre tela se trata de uma das mais populares técnicas de pintura da história da arte. É obtida a partir da aplicação da tinta a óleo com pincéis ou espátulas principalmente sobre telas de linho, brim, algodão cru ou tecido misto. As mais antigas pinturas à óleo que se tem registro datam do século VII, porém foi na Europa do século XV que a técnica ganhou mais destaque, essencialmente nas obras de Jan Van Eyck a quem muitos historiadores atribuíam a invenção desta técnica pictórica. A versatilidade oferecida pela tinta à óleo foi um dos fatores que a tornaram um dos mais tradicionais métodos de pintura.
Em 2001, a trágica destruição das gigantescas estátuas dos Budas de Bamiyan revelou as mais antigas pinturas a óleo que se tem registro e que datam do século VII. A descoberta mostrou que a técnica já era usada muitos séculos antes da época em que viveu o artista Jan Van Eyck. O artista holandês renascentista, contudo, foi o primeiro a substituir a têmpera à base de ovo por pigmentos misturados em óleos de linhaça e nozes. A tinta obtida a partir desta mistura tinha um efeito mais lustroso que a da têmpera, além disso, proporcionava uma secagem mais lenta o que permitia ao artista alterar o trabalho ou finalizá-lo dias depois.
Por ser uma das técnicas de pintura mais versáteis, a tinta a óleo permitiu que ao longo dos séculos os artistas desenvolvessem diferentes estilos artísticos que foram desde a exploração dos contrates de luz e sombra de artistas barrocos, como Caravaggio, à famosa técnica de sfumato, de Leonardo da Vinci.
Para a utilização da tinta a óleo são usados pincéis de diferentes formatos, tamanhos e tipos de cerdas, além de espátulas que permitem, por exemplo, a aplicação da técnica do empastamento que se caracteriza pelo uso de grossas camadas de tinta que formam relevos sobre a tela. A paleta de madeira (ou material de preferência) é um dos recursos utilizados para facilitar a mistura de cores para se obter diferentes tonalidades. Também é comum que os artistas apliquem cobalto sobre a pintura para agilizar o processo de secagem.
Salvador Dalí – as excentricidades de um gênio surrealista
Conhecido por suas extravagâncias que muitas vezes se sobrepunham à sua arte, Salvador Dalí é um dos nomes mais importantes do Surrealismo, tendo assinado obras icônicas do movimento, utilizando-se de imagens oníricas e uma impressionante técnica artística. Não se atendo apenas ao âmbito das artes plásticas, o pintor espanhol contribuiu também para o cinema em produções de Walt Disney e Alfred Hitchcock.
Nascido em 1904 na Catalunha, Espanha, Salvador Felip Jacint Dalí i Domènech ficou mundialmente conhecido como Salvador Dalí. Iniciou a educação artística formal bem jovem na Escola de Desenho Federal, já em 1921, aos 16 anos de idade, passou a frequentar a Academia de Artes de San Fernando, em Madri, porém não concluiu os estudos pois foi expulso duas vezes por criticar o corpo docente da instituição. Seus cabelos compridos e roupas extravagantes já despertavam interesse e viriam a consolidar a personalidade excêntrica do artista. Foi nessa ocasião também que Dalí começou a experimentar em suas produções o Cubismo e posteriormente o Dadaísmo que foi a verdadeira base de seu estilo artístico: o Surrealismo.
Em visita à Paris, entre 1926 e 1929, Dalí conheceu o pintor cubista Pablo 
Picasso, que foi grande fonte de inspiração para os seus trabalhos e também os pintores Joan Miró e René Magritte, responsável por lhe apresentar o estilo surrealista. Nesta época, contribuiu em produções cinematográficas de Luis Buñuel que conheceu na Academia de Artes de San Fernando e também conheceu a modelo e atriz Gala, então mulher do poeta Paul Éluard, e que viria a se tornar a sua musa inspiradora e esposa em 1934.
As principais características das obras de Dalí são as imagens oníricas, fantasiosas e muitas vezes ilógicas onde é possível observar objetos em justaposição inesperada em detrimento a paisagens aparentemente comuns. O processo criativo de Dalí baseava-se no que ele cunhou como “paranoia crítica”, onde abria mão da racionalidade, explorando o mundo dos sonhos, quase que em transe para obter o máximo da imaginação e criatividade. Suas principais obras são A Persistência da Memória, Girafa em Chamas, Sono, A crucificação de São João da Cruz e a Última Ceia.
Como se o conteúdo de seus quadros não lhe rendesse atenção suficiente, Dalí também ficou conhecido por suas extravagâncias. Em 1936, por exemplo, ele deu uma palestra vestido completamente com uma roupa de mergulho. Dalí chegou a romper com os surrealistas devido aos seus escândalos e divergências políticas e em 1940 partiu com Gala para os Estados Unidos, época em que colaborou na sequência do filme Spellbound, de Alfred Hitchcok. Ainda na década de 1940, ajudou na pré-produção da animação Destino, da Disney que, no entanto, só foi lançada em 2003, posteriormente à morte de Dalí que ocorreu em 1989, em Figueres, Espanha.
Créditos imagens: https://pt.wikipedia.org/O Sono de Dalíhttps://www.historiadasartes.com
aula #007 Ilustrando em aquarela
Essa é uma aula diferente, a primeira em que eu falo sobre aquarela e Ilustração. Ela está bem completa (e longa) pois mostro todo o processo criativo para ilustrar, desenhar e pintar.Eu fiz um trabalho para a loja Villa Pano (https://villapano.com.br) e conto tudo sobre isso.
É uma aula que, se você assistir e treinar os exercícios de mistura de cores, desenhar algo seu do jeito seu como é dito no vídeo e pintar, você vai ver sua criatividade e pintura dar um salto. Treino é tudo, assim como foi mais difícil no começo para mim, aos poucos você também vai começar a se soltar e a se encontrar mais.
Link para baixar o presente de Páscoa: http://eepurl.com/gh8ga1 Depois de acessar a imagem é só gravar no computador e imprimir em couchê A3 em uma gráfica. Então recortar e aproveitar!
Depois de estudar a aula, recomendo que nos dias que você nao pinte, que pare um minuto para assistir os trechos de resumo que costumo colocar 1 por dia ate a proxima aula. Durante a semana no pintrest teremos pastinha sobre a aula de aquarela e textos no nosso site complementando o assunto. Falaremos de Norman Rockwell e também sobre o autor do livro “O Pequeno Principe”, que queria ser pintor e tornou-se aviador mas hoje é lembrado pelas comoventes ilustrações do livro. Tem tudo isso e muito mais, semana de ilustracao e aquarela começando!
Desejo bons estudos, bons momentos pintando e até mais!
Berthe Morisot – a dama impressionista
No auge do Impressionismo em Paris, a pintora francesa Berthe Morisot, ganhou destaque como uma das poucas mulheres a participarem ativamente do movimento. A artista esteve presente nas primeiras exposições que ajudaram a divulgar as obras dos pintores impressionistas, e foi reconhecida principalmente por trabalhos que exploravam cenas familiares com um foco especial na maternidade, tendo muitas vezes as paisagens ao ar livre como pano de fundo.
Berthe Marie Pauline Morisot nasceu em uma influente família, em 1841, na comuna francesa de Bourges e tinha duas irmãs e um irmão mais novo. Assim como em outras famílias da região, as irmãs Morisot desde cedo foram educadas em artes, porém sempre através de aulas particulares, uma vez que na época as mulheres não podiam frequentar as grandes academias de artes. Aos 16 anos, Berthe Morisot começou a frequentar o Museu do Louvre e ali passou a observar e a copiar as obras dos grandes mestres.
Em 1860 começou a explorar a pintura ao ar livre, influenciada pelo amigo e artista realista francês Camille Corot, que conheceu no Museu do Louvre e costumava pintar paisagens. Berthe tornou-se amiga também do pintor Édouard Manet e casou-se com o irmão dele, Éugene Manet. Aos 23 anos, a artista já tinha obras expostas no Salão de Paris, honra que lhe rendeu críticas entusiasmadas desde as suas primeiras obras, o que tornou presença constante no salão oficial.
A sua proximidade com Manet serviu como porta de entrada para o grupo de pintores impressionistas e ela passou a expor as suas obras nas exposições independentes do movimento desde 1874. Utilizando-se das principais técnicas impressionistas como as pinceladas soltas e curtas, a pintora oferecia uma visão nova e contemporânea para as suas composições artísticas. Ao contrário da colega Mary Cassatt que também explorava em suas telas as rotinas familiares, porém de maneira mais privada e em ambientes fechados, Berthe Morisot tinha preferência pelas cenas domésticas que se desenrolavam ao ar livre.
Considerada como uma das mais importantes figuras femininas do movimento impressionista, Berthe tinha o poder de retratar as complexidades humanas através de seus quadros. Entre as principais obras de Berthe Morisot estão as aclamadas O berço e No Jardim de Maurecourt. Na exposição impressionista de 1880, foi uma das artistas mais elogiadas, e em exposições anteriores foi nomeada por um crítico do Le Temps como a “verdadeira impressionista do grupo”. Berthe faleceu em 1895, em Paris, vitima de uma pneumonia.
Para conhecer mais obras do artista acesse a pasta que criamos: https://br.pinterest.com/thaisslaski/arte-matérias-do-site/berthe-morisot/
Crédito Imagens: https://commons.wikimedia.org/
#006 Dica de criação: Paixão à primeira vista :-)
Esse é um trechinho da aula completa sobre a “Jaqueira” onde falo sobre textura e processo criativo. Para assistir a aula completa acesse: https://m.youtube.com/watch?v=Td1UPn3…
Van Gogh – entre campos, girassóis e noites estreladas
Considerado uma das figuras mais influentes da história da arte ocidental, o pintor holandês Vincent Van Gogh legou à humanidade uma vasta obra que abrange mais de dois mil trabalhos. Desenvolvida em pouco mais de uma década, sua composição artística ficou eternizada pelo uso de cores vibrantes, pinceladas dramáticas e pela presença marcante das séries de girassóis, ciprestes, campos de trigo, pomares e os seus famosos autorretratos. Embora nunca tenha ganhado notoriedade em vida, tem seu nome em destaque entre os maiores pintores da era pós-impressionista.
Vincent Willem van Gogh nasceu em 1853, em Zundert, nos Países Baixos. Era filho de Theodorus van Gogh, um pastor, e de Anna Cornelia Carbentus. Foi incentivado a desenhar desde cedo por sua mãe, mas só começou a pintar efetivamente perto dos 30 anos de idade, aconselhado por seu irmão Theo, e após tentativas frustradas de seguir carreira em outras áreas.
Os primeiros trabalhos de Van Goh, realizados por volta de 1885, foram especialmente concebidos através de uma paleta com tons terrosos e considerados sombrios demais para se encaixarem no impressionismo, por isso seu irmão chegou a alegar que eram difíceis de serem comercializados. Já nesta época Van Gogh demonstrou interesse em pintar naturezas mortas e a retratar a vida no campo.
No ano seguinte, o artista holandês passou a incorporar cores mais vivas aos seus trabalhos, optando por carmim, azul cobalto e verde esmeralda. Nesta época também adquiriu xilogravuras ukiyo-e japonesas que serviram como inspiração para os seus trabalhos posteriores.
Uma vez estabelecido em Paris junto a Theo, Van Gogh começou a fazer uso de uma paleta mais brilhante e pinceladas mais fortes que ditariam o tom de suas produções dali para frente. Após mudar-se para Asnières, em 1887, Van Gogn conheceu Paul Signac e a técnica do pontilhismo, adotando elementos deste estilo em suas obras. Também foi nesta ocasião que se tornou amigo do artista pós-impressionista Paul Gauguin.
Em 1888 Van Gogh foi para Arles e ali viveu o auge de sua produção artística. Apaixonado pelas cores e luminosidade da pequena aldeia, criou as mais célebres de suas obras. Nesta fase de sua carreira passou a dar destaque para o uso do amarelo, além de azul ultramarino e malva.
Suas pinceladas ganharam toques mais ousados e o artista chegou ao auge da sua técnica de pintura, utilizando-se de grandes quantidades de tinta que provocavam um relevo na tela, características que se tornaram marcantes e inconfundíveis em seus quadros. Concebeu algumas séries de quadros com ênfase nos girassóis, ciprestes, campos de trigos e os autorretratos que serviam como uma espécie de registro do estado mental do artista no momento de criação de cada tela.
Entre as principais obras de Van Gogh destacam-se Os Comedores de Batatas, Quarto em Arles, Doze Girassóis em uma jarra, Noite Estrelada e Retrato do Dr. Gachet. Apesar da quantidade impressionante de trabalhos que criou, Van Gogh faleceu com apenas 37 anos de idade, após não resistir aos ferimentos de bala provocados pelo disparo que o artista deu em seu próprio peito.
Para conhecer mais obras do artista acesse a pasta que criamos: https://br.pinterest.com/thaisslaski/arte-matérias-do-site/van-gogh/
Crédito Imagens: www.vangoghmuseum.nl/en/collection/s0005V1962 https://commons.wikimedia.org/ http://www.wikiwand.com https://www.wikiart.org
#006 Jaqueira – aula
Na vídeo aula de hoje eu falo sobre o processo criativo da “Jaqueira”, oleo sobre tela, que ainda nao esta terminado. Na sequencia mostro como fazer textura. A textura pode ser usada em qualquer coisa que você quiser, até um rosto. Para aprender você pode usar a mesma técnica em qualquer coisa que esteja pintando em tela. Depois de estudar a aula, recomendo que nos dias que voce nao pinte, que pare um minuto para assistir os trechos de resumo que vou colocar 1 por dia a partir de amanha, ate a proxima aula. Durante a semana no pintrest teremos pastinha sobre a aula de textura e textos no nosso site. É isso aí, desejo bons estudos, bons momentos pintando e até mais!
Pontilhismo
Desenvolvida a partir do Impressionismo, a Técnica do Pontilhismo se baseia na lei das cores complementares criada pelo químico Michel Chevreul e surgiu na segunda metade do século XIX. Não se limitando apenas ao campo das artes plásticas, contribuiu também para o surgimento 
das técnicas de pixelização e separação cromática para a televisão.
Segundo a lei das cores complementares, cada cor ao lado de outra teria a sua aparência modificada através do contraste entre elas, o que foi amplamente explorado pelos pintores impressionistas, uma vez que estes artistas desprezavam o emprego de contornos em seus desenhos e as cores eram aplicadas na tela de maneira pura, com pinceladas curtas que de perto tinham a aparência de estarem fragmentadas, porém ganhavam novas tonalidades e formas ao serem observadas à distância.
Em contrapartida aos impressionistas que faziam uso de um pincel mais
solto, os artistas que empregavam o pontilhismo usavam pinceladas precisas, empregando a tinta de maneira meticulosa em pontos ou manchas sobre a tela. Além disso, havia uma preferência pela tinta óleo, pois esta possui uma textura mais firme e não escorre na tela, evitando que houvesse alguma mistura indesejada de cores.
A tela Um Domingo de Verão na Grade Jatte, de 1886, do pintor francês Georges Seurat foi uma das primeiras a empregar a técnica do pontilhismo e recebeu do crítico de arte Félix Fenon o termo “pintura de pontos”. Além de Georges Seurat, o pontilhismo também ganhou impulso dentro do Impressionismo através das obras de Paul Signac. A técnica influenciou os trabalhos de pintores como Van Gogh e Henri Matisse.
Para conhecer mais, acesse a pasta que criamos: https://br.pinterest.com/thaisslaski/arte-matérias-do-site/pontilhismo/
Credito Imagens: http://www.artcyclopedia.com/artists/seurat_georges enciclopedia.itaucultural.org.br https://commons.wikimedia.org/