Pintor e escultor, Fernando Botero é um artista figurativista colombiano reconhecido principalmente por seus trabalhos em que representa personagens volumosos e que carregam um viés de crítica à ganância humana.
Fernando Botero Ângulo nasceu em 19 de abril de 1932, em Medelín, na Colômbia. Desde cedo se interessou por arte, especialmente pelo estilo barroco que dava forma às igrejas coloniais 
de sua cidade e aos 15 anos começou a vender os seus primeiros desenhos. Seu primeiro emprego foi em 1948 como ilustrador do El Colombiano e ainda naquele ano realizou a sua primeira exposição coletiva.
Artista precoce, Botero realizou a sua primeira exposição individual no ano de 1951, em Bogotá. Ganhou o segundo lugar ao participar do São dos Artistas Colombianos e no ano seguinte, o artista mudou-se para a Espanha, onde frequentou a Academia de San Fernando de Madri. Erradicado na principal cidade espanhola, costumava frequentar o Museu do Prado e copiar as obras de Velásquez e Goya.
Nesta ocasião, Botero também começou a se interessar pelos temas políticos dos muralistas mexicanos, como Diego Rivera, fato que veio a influenciar as suas obras posteriores. Outra grande influência ao seu estilo veio em 1953, quando ingressou na Academia de San Marco, em Florença, e teve contato com a arte renascentista italiana.
Dois anos depois retornou para o seu país natal e realizou uma exposição na Biblioteca Nacional, além de ser nomeado professor da Escola de Belas Artes da Universidade Nacional. Foi a partir de 1955 que Fernando Botero começou a expandir a forma de suas figuras e deu início ao que seria o seu estilo único e inconfundível.
Botero partiu para os Estados Unidos em meados de 1957 e ainda naquele ano realizou a sua primeira exposição no país. Na década seguinte começou a realizar exposições em diversos lugares do mundo. Já em 1971 passou a dividir residência em Paris, Bogotá e Nova York. Foi no ano de 1973 que o artista elaborou a sua primeira escultura
Pintor obstinado, Botero traz em suas produções um compilado de influências artísticas que culminam em um resultado singular e muitas vezes polêmico. A cor em suas obras possui um papel fundamental, sendo utilizada em tons vivos que iluminam a pintura.
Os números de Botero são impressionantes. O artista possui mais de 3 mil pinturas, 200 esculturas e coleciona em seu currículo mais de 50 exposições individuais. Em suas obras mais reconhecidas, Botero revisitou importantes artistas e obras da história da arte. Assim, a Mona Lisa, de Da Vinci, ganhou formas mais arredondas, tal como o famoso O Casal Arnolfini, de Jan van Eyck. Seu traço facilmente reconhecível ganhou o nome de “boterismo”.
Atualmente, Botero mantém dois ateliês, um na Itália e outro em Mônaco. O pintor de 87 anos é um dos artistas contemporâneos mais politizados e permeia em algumas de suas produções artísticas o retrato da violência na América Latina.
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Famoso especialmente por suas paisagens impressionistas, Alfred Sisley foi um pintor francês de ascendência britânica. Ao lado de importantes pintores como Renoir e Manet, o artista ajudou a dar voz ao Impressionismo na França do final do século XIX.
Entretanto, o jovem aproveitou a viagem para visitar diversos museus ingleses e copiar obras de artistas como Constable, Turner e Bonington. Ao regressar a Paris, foi estudar arte no ateliê de Gleyre onde conheceu Renoir, Bazille e Monet. Revolucionários, estes artistas buscavam retratar na pintura os efeitos da luz e saíam para elaborar suas obras ao ar livre, reunindo-se no bosque de Fontainebleau.
A principal influência de Sisley foi o pintor realista Jean-Baptiste Camille Corot, não à toa, suas primeiras obras eram pintadas em tom mais escuro. Posteriormente, o artista francês começou a empregar cores mais claras e vivas, concebidas com leveza e pinceladas mais livres. Assim como Camille Pissarro, foi um dos pintores que mais se dedicou às técnicas características do impressionismo, focando-se principalmente em paisagens que assumiam um tom lírico e de beleza em suas representações. Desta época, destaca-se uma série de pinturas às margens dos rios.
Entre as principais obras de Sisley estão também O canal Saint-Martin em Paris (1870), A ponte em Argenteuil (1872), Ponte no Villeneuve-la-Garenne (1872), Regata em Hampton Court (1874), Neve em Louveciennes (1875), As cheias em Port-Marly (1876), As margens do Oise (1877-78) e Neve em Véneux (1880).
viver exclusivamente de sua arte. No ano de 1874 participou da exposição independente ao Salão Oficial de Paris, porém não conseguiu vender nenhuma das cinco telas que expôs. O artista vendeu algumas de suas telas apenas na exposição que ocorreu no ano seguinte, junto com os colegas impressionistas.
Em 1877, Sisley mudou-se para a comuna francesa de Sèvres, onde registrou a aldeia em uma série de telas. O artista continuava enfrentando dificuldade de encontrar compradores para as suas obras, amargando fracassos em exposições ano após ano.
Um dos nomes mais influentes do cenário artístico do século XX, a japonesa Yoko Ono é uma artista plástica vanguardista, cantora, compositora e cineasta. A artista traz à tona temas como feminismo, arte conceitual e questionamentos sobre a própria arte. Seu nome ganhou projeção mundial a partir da ligação profissional e amorosa com John Lennon e polêmicas à parte, o fato é que sua obra nunca poderia passar despercebida.
Nascida em 18 de fevereiro de 1933, em Tóquio, no Japão, Yoko Ono é a primeira filha do casal Isoko e Yeisuke Ono, ambos de linhagem abastada. Além da excelente educação que a origem rica lhe proporcionou, desde cedo Yoko teve contato com as artes, pois o pai havia sido pianista e mãe era budista e pintora clássica.
Entretanto, em meados de 1956, ao se formar na faculdade de música, Yoko decidiu galgar o caminho artístico sem o auxílio financeiro de sua família. Em um loft alugado em Manhattan, começa a fazer experiências sonoras ao lado do colega John Cage e do coreógrafo Mercy Cunningham. Juntos participam do grupo chamado Fluxus que passa a influenciar diversos artistas vanguardistas.
experimentais, além de explorar a arte conceitual. Em 1964 criou uma das suas performances mais famosas: Cut Piece, em que se expôs imóvel diante do público que podia usar uma tesoura para cortar de qualquer maneira pedaços da roupa da artista. Nesta obra, além de explorar a relação de confiança entre artista e expectador, Yoko propõe uma reflexão sobre a maneira como as mulheres são tratadas.
É no ano de 1966 que se dá o encontro entre o casal mais icônico da cultura pop. John Lennon se vê encantado com a produção artística de Yoko, a qual teve a oportunidade de conferir em uma exposição em Londres. Os dois então iniciam uma amizade com direito a diversas colaborações artísticas e por fim, os dois terminam seus atuais relacionamentos para viver um intenso romance.
de 1970. Durante muito tempo Yoko foi apontada como o pivô da separação, fato que foi desmentido em entrevista pelo próprio Paul McCartney.
Com uma arte atemporal e que foge de classificações, a artista plástica Lygia Clark conquistou um lugar de destaque no cenário artístico brasileiro. Sua obra não é algo estático, pelo contrário, transmite ao expectador um mundo de possibilidades e de transformação.
Lygia iniciou os seus estudos em artes quando já estava com 27 anos, casada e mãe de três filhos. Tornou-se então aprendiz e aluna de Roberto Burle Marx. Já aos 30 anos, viajou para Paris, onde estudou com Arpad Szènes, Dobrinsky e Léger. Dois anos depois, realizou a sua primeira exposição individual no Institut Endoplastique. De volta ao Brasil, expôs no Ministério da Educação e Cultura.
materialidade do ritmo. Ainda naquele ano participou da Bienal de Veneza com a série Composições. Lygia também trabalhou com instalações e body art, além de dedicar-se a pesquisas da linha orgânica.
Assim, em 1959 assinou o Manifesto Neoconcreto em parceria com Amílcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Pape, Reynaldo Jardim e Theon Spanudis. Propõs uma ruptura com os suportes tradicionais na pintura. Na década de 1960 utiliza em suas criações materiais como metal e borracha, abandonando a dureza de materiais como a madeira.
A artista levou tinta às molduras de alguns de seus quadros com o intuito de quebrar paradigmas. A proposta pode ser observada, por exemplo, na obra Unidades de 1959. Entre os anos de 1960 e 1964 cria a obra Bichos, em que propõe a participação do público. Lygia elaborou diversas esculturas de bichos em alumínios que o expectador poderia manipular e descobrir seus formatos. Por este trabalho, em 1961, a artista recebeu o prêmio de melhor escultora na Bienal Internacional de São Paulo.
Destacam-se também entre as principais produções de Lygia Clark, Obra Mole (1964), Nostalgia do Corpo: Diálogo (1968) e Babá Antropofágica (1973). Estes exemplos se caracterizam pela exploração sensorial do púbico, uso de diversas matérias-primas como metal, madeira e borracha, compondo objetos tridimensionais. A artista faleceu em 25 de abril de 1988, no Rio de Janeiro.
O pintor francês Paul Cézanne revolucionou a história da arte ao introduzir uma visão única para as suas composições, destacando-se entre os pintores pós-impressionistas pelo uso de distorções formais e alterações de perspectiva. O artista já explorava em seus trabalhos figuras levemente geométricas, o que o alçou como uma ponte entre o impressionismo do século XIX e o cubismo do início do século XX.
uma firma bancária, o que lhe proporcionou uma vida sem preocupações financeiras. Aos 10 anos começou a estudar desenho na Escola São Jose, em sua cidade natal. Já em 1852 conheceu o consagrado escritor francês Émile Zola, ambos estudavam no Colégio Bourbon e se tornaram amigos.
foi buscar desenvolvimento artístico em Paris, influenciado pelo amigo Zola que já se estabelecera na cidade. Na cidade parisiense conheceu o impressionista Camille Pissarro que assumiu um papel de mestre e mentor de Paul Cézanne.
Paris um ano depois e se matriculou na Academia Suíça com o intuito de se tornar pintor profissional. Nessa época, conhece artistas impressionistas como Manet, Monet e Renoir.
pintar ao ar livre e vai clareando gradativamente sua paleta de cores. Entretanto, é na década seguinte que sua carreira evolui mais ainda, rompe com o amigo Zola, uma vez que se vê representado no personagem principal do livro “A obra” e começa a pintar retratos, natureza-morta e paisagens.
Entre as suas principais obras estão Retrato de Louis-Auguste Cézanne, o pai do artista (1866), Autorretrato com um chapéu de palha (1875), A banhista (1885) e Os jogadores de Cartas (1890-95). Em 2011, uma das versões de Os jogadores de Cartas foi vendida para família real do Qatar por cerca de 190 milhões de euros, se tornando a obra de arte mais cara já vendida até então.
A parceria entre o jornalista Apparício Torelly, o Barão de Itararé e o caricaturista Guevara resultou no Almanhaque. A publicação que teve sua primeira tiragem em 1949 parodiava os almanaques da época e foi um verdadeiro sucesso. O Almanhaque do Barão de Itararé continha textos, jogos, passatempos, contos e tirinhas recheadas de um humor ácido e contestador, combinação que até hoje é referência entres as publicações brasileiras.
Iniciou a sua carreira como colaborador do jornal A Manhã, em 1925, publicando sonetos de humor que tinham como tema um político da época. Também foi fundador do Jornal do Povo em 1934, publicação que durou apenas 10 dias, e do jornal A Manha que circulou ativamente entre 1926 e 1935.
Depois foi morar na Argentina em 1930, ocasião em que começou a usar modernas técnicas de diagramação e planejamento gráfico, tornando-se referência como artista gráfico. Foi criador do projeto gráfico e logotipo do jornal Clarin, fundado em 1945 e que se tornou o jornal de maior tiragem da Argentina.
O traço do artista paraguaio fica visível no brasão do Barão de Itararé como na maior parte dos desenhos que compõem o Almanhaque. Guevara então já havia suavizado o seu estilo geométrico, passando a usar uma abordagem mais despojada e cartunesca. Sucesso garantido, a publicação chegou a ganhar duas novas tiragens em 1955.
Criador da tira Mutts, Patrick McDonnell é um ilustrador, autor best-seller e cartunista americano. A publicação de Mutts já apareceu em mais de 700 jornais em 20 países e atualmente, o artista dedica-se à criação de livros infantis, além de se envolver ativamente com instituições de caridade animal e ambiental.
Durante esse tempo o artista também colaborava regularmente em revistas de seu país como Sports Illustrated, Readers Digest e Forbes. Uma de suas marcas registradas era que costumava incluir um cachorro no fundo de suas ilustrações.
Em 1994 criou a tira humorística Mutts, que narra as aventuras de Mooch, um gato e Earl, um cachorro, baseada em seus animais de estimação. Com um humor inteligente, o cartoon é recomendado para crianças e adultos. No Brasil, Mutts foi publicado em 2009 pela editora Devir e em 2015 pela Pixel Media.
história de um gatinho chamado Jules que percorre o mundo abraçando espécies ameaçadas de extinção.
Por seu trabalho, McDonnell já foi diversas vezes premiado, destacando-se o National Cartoonist Society Award for Magazine and Book Illustration em 1991, National Cartoonists Society’s Reuben Award (nominee) em 1997 e 1998 e o Caldecott Honor em 2012.
Com um trabalho totalmente inovador, o ilustrador Jordi Labanda consagrou-se como um dos artistas contemporâneos mais bem-sucedidos na sua área. Seu trabalho pode ser conferido em revistas, jornais, roupas, comerciais de televisão, anúncios de diversos tipos e álbuns de música. Indo na contramão do humor gráfico que na Espanha é totalmente voltado para os homens, Labanda cria um ambiente em que as mulheres possam se identificar e se divertir também.
Nascido em 1968 em Mercedes no Uruguai, Jordi Labanda Blanco mudou-se aos três anos de idade com a família para Barcelona, na Espanha, onde vive desde então. Em Barcelona cursou desenho industrial e decidiu dedicar-se à ilustração comercial em meados dos anos 90.
Desde então, Labanda figura nas mais influentes publicações mundiais de moda e estilo tais como Vogue Japão, Bergdorf Goodman Magazine, Apartamento, Fanzine137, Candy, Harpers Bazaar ou The Magazine of La Vanguardia (Barcelona).
O ilustrador uruguaio já teve a sua obra exposta em museus e galerias de Tóquio, Paris, Barcelona, Florença e Buenos Aires. Além disso, uma parte de seu trabalho foi compilada e lançada no livro Heyday.
sociedade de consumo, às vezes de uma maneira mais irônica, em outras com uma mensagem mais sutil. Contudo, sempre com uma visão graciosa para as relações sociais e a vida nas grandes cidades.
Considerado um dos mais célebres artistas de seu tempo, Michelangelo se destacou não apenas como pintor e escultor, como também se dedicou à poesia e arquitetura florentina.
Desta maneira, assim que atingiu certa idade, Michelangelo foi enviado por seu pai para estudar com Francesco da Urbino, um tutor que também era artista. Entretanto o jovem fez pouco progresso nas matérias prestigiadas como gramática, latim e matemática, demonstrando verdadeiro interesse em desenhar, para desespero da família, que tinha as artes como algo indigno à nobreza.
Nesta fase, Michelangelo começou a desenvolver algumas esculturas que chamaram a atenção para o seu talento, como a Madonna da Escada, feita em baixo relevo e a Centauromaquia, esta última em alto relevo.
Entre os anos de 1508 e 1512 desenvolveu outro de seus trabalhos de maior notoriedade: pintou o teto da Capela Sistina do Vaticano, embora um tanto a contra gosto, pois preferia o ofício de escultor ao de pintor. Ainda na Capela Sistina pintou O Último Julgamento na janela do altar, entre os anos de 1534 e 1541.
esculturas frequentemente o mármore e os esboços de suas pinturas ou desenhos eram, em sua maioria, desenvolvidos com a técnica da sanguínea.