Pioneiro na arte abstracionista, Kandinsky foi um pintor e teórico russo que revolucionou a forma pictórica de expressão ao propor uma arte mais independente e distante da realidade visível. Suas obras compõe uma junção de cores, formas e linhas, elementos puros que não se ligam a nenhum tipo de representação, característica que marcou o abstracionismo, movimento artístico que surgiu no século XX.
Batizado como Wassily Wassilyevich Kandinsky, nasceu em 16 de dezembro de 1866 em Moscou. O contato com a arte e a música se deu após os 5 anos de idade quando ele foi morar com uma tia. Além de aprender piano e violoncelo, também teve aulas de desenho com um professor particular. Até os 30 anos, no entanto, Kandisnky vivia uma vida confortável em seu país natal, colhendo os frutos de uma bem sucedida carreira na área do Direito.
O ponto de virada para Kandinsky ocorreu em 1895, após o russo visitar uma exposição impressionista em Moscou. Enxergando ali uma arte que não se limitava apenas à imitação da natureza, no ano seguinte Kandinky decidiu recusar um cargo na Univerdade de Tartu e partir para a cidade alemã Munique com a esposa, Anya Ticheyeva, uma prima com quem se casara em 1892.
Estabelecido na Alemanha, Kandinsky dedicou tempo integral ao estudo de arte, primeiro em uma escola privada e depois na Academia de Belas Artes de Munique. Além de se formar como pintor, também adquire o título de teórico de artes. Assim ele deu início a uma vasta produção de obras, primeiramente com representações de paisagens, em que é possível distinguir influências do pontilho e fauvismo. Porém o artista foi evoluindo profissionalmente até abandonar os elementos figurativos.
Em 1901 juntou-se a outros jovens artistas e fundou a Sociedade Artística Phalanx que tinha como principal objetivo o de oposição ao conservadorismo. A partir de então conquistou alguns seguidores e alunos para os quais lecionava arte, além de publicar algumas de suas teorias sobre arte.
O abstracionismo começa a se tornar uma realidade em suas produções. Em 1910 Kandinsky publica a obra Do espiritual na Arte em que fala sobre a possibilidade de expressão sem se preocupar com a representação de objetos e outros elementos figurativos. Além disso, é notável uma grande influência da música na composição de suas pinturas.
A eclosão da Primeira Guerra Mundial o levou a retornar à Rússia em 1914 e dois anos depois o artista se estabelece na Suécia por cerca de um ano. Nos anos seguintes, de volta à Rússia, dedicou-se ao magistério e ao ativismo político, auxiliando na reforma de museus e na educação artística do país.
Em 1922, no entanto, retornou à Munique, onde lecionou na Bauhaus à convite de Walter Gropius, fundador da escola. Suas ideias que mesclam as cores com elementos da psicologia passam a ser bastante difundidas e o artista dedica-se cada vez mais ao estudo das formas e linhas, o que resulta na publicação de mais um livro teórico (Ponto e Linha sobre Plano: contribuição à analise dos elementos da pintura). Kandinsky também foi um dos Quatro Azuis, associação que era composta por Paul Klee, Lyonel Feininger e Alexej von Jawlensky.
Entre os principais quadros de Kandinsky se destacam Parque de Achityrka (1901), Composições, Improvisações e Impressões (Série realizada entre 1910-1914), No Quadrado Negro (1923) e Alan Tempéré (1944). Além dos livros teóricos, Kandinsky também compôs alguns poemas de temática abstracionista.
Após o fechamento de Bauhaus pelos nazistas em 1933, Kandinsky se estabeleceu em Paris, e embora não tenha sido um dos períodos mais favoráveis na vida do pintor russo, ele viveu na cidade francesa até o fim de sua vida, em 1944.
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Crédito Imagens: https://www.wikiart.org/pt/wassily-kandinsky
Representante da transição do neoclassicismo para o romantismo, Ingres destacou-se como pintor e desenhista francês. Teve como mestre Jacques-Louis David, importante pintor neoclassicista da corte de Napoleão Nonaparte. Ingres tinha quase que uma obsessão pela figura feminina e ao longo de sua carreira realizou diversos estudos de nu. O artista francês também foi responsável por fazer um retrato interessante dos costumes da burguesia da época, além de trazer para as suas pinturas cenas mitológicas.
Foi na comuna francesa de Montauban que nasceu Jean-Auguste Dominique Ingres, em 29 de agosto de 1780. A mãe de Ingres tinha pouca instrução, porém o seu pai dedicava-se a diversas artes como pintura, escultura e até música e foi ele que incentivou o jovem a ingressar na vida artística.
Com seis anos, Ingres ingressou na Ecole des Frères de l’Education Chrétienne porém o estudo foi interrompido devido à eclosão da Revolução Francesa. Por volta dos 11 anos passou a frequentar a academia de arte de Toulouse onde teve o seu primeiro contato com as obras de Rafael. Ingres também herdou o apreço de seu pai pela música, apresentando-se como violinista com apenas 14 anos no Teatro Municipal de Toulouse.
Optando em focar-se na pintura, obteve o primeiro prêmio em desenho na academia provincial e em 1796 foi para Paris onde ingressou no ateliê de Jacques-Louis David com quem estudou por quatro anos. Pelos anos seguintes ele seguiria o estilo neoclassicista de seu mestre até encontrar o seu estilo pessoal, tornando-se um pintor individualista ao preferir os temas gregos aos romanos.
Em 1801 pintou Os Emissários de Agamenon que lhe rendeu o Prêmio Roma. Neste quadro fica evidente a influência do mestre David em sua composição. No ano seguinte fez a sua estreia no Salão de Paris com uma obra que se perdeu, já em 1803 recebeu a primeira encomenda de pintar Napoleão Bonaparte.
Porém mesmo com as críticas ferrenhas em cima de sua arte, Ingres continuou recebendo algumas encomendas importantes de famílias nobres italianas. O artista mudou-se para Florença em 1820 e apenas no Salão de Paris de 1824 obteve êxito ao expor suas obras e finalmente passou a ser reconhecido como pintor. Aclamado pela crítica nas décadas seguintes, Ingres recebeu diversos estudantes em seu ateliê.
Exímio desenhista, Ingres optava por usar em seus esboços lápis de grafite duro e papel liso e macio, sem fibras aparentes. Concebendo seus desenhos com modelos em sessões de 4 horas. Suas pinturas não tinham as gradações de cor e luz típicas do romantismo e, sim o uso de meios-tons e uma técnica que buscava se aproximar da realidade com toques que foram considerados por alguns estudiosos como precursores da arte moderna. A obra de Ingres exerceu influência em artistas como Degas, Picasso, Matisse, entre outros.
Conhecido como um dos mais importantes retratistas espanhóis e representantes do Barroco Europeu, Diego Velázquez foi o principal pintor da corte espanhola do Rei Filipe IV. Suas obras retratam membros da corte, temas religiosos, mitológicos e cenas históricas, todos concebidos com um realismo impressionante, foco nas expressões individuais e notável uso do contraste entre o claro e escuro.
Foi na região de Sevilha, em 6 de julho de 1599, que nasceu Diego Rodriguez de Silva Y Velázquez. De ascendência portuguesa, já demonstrava com apenas 10 anos de idade sua vocação para a pintura. Seu primeiro tutor artístico foi Francisco Herrera, importante pintor sevilhano e fundador da Escola de Sevilha. Pouco tempo depois foi enviado ao estúdio de Francisco Pacheco como aprendiz, onde obteve uma sólida formação teórica durante seis anos.
Em 1617 Velázquez atingiu a mais alta e importante titulação como mestre-pintor de ícones religiosos. E ainda naquele ano criou o seu próprio ateliê em sua cidade natal. No ano seguinte casou-se com Juana Pacheco, filha de Francisco Pacheco. Suas pinturas dessa época trazem principalmente temas religiosos, como é o caso de 
Já em 1622 viajou pela primeira vez a Madri e após realizar um retrato do rei Filipe IV, conquistou o posto de pintor da câmara real. Com o ingresso na corte teve acesso ao acervo de diversas obras primas, além da oportunidade de conhecer pessoalmente, em 1629, o famoso pintor barroco Rubens e cuja obra exerceu grande influência em seu estilo. Ainda naquele ano viajou para Itália onde pode estudar as obras do Renascimento.
Entre as principais obras de Velázquez estão São João em Patmos (1619), O almoço (1620), Isabella de Bourbon (1625), Vênus ao Espelho (1647), além do quadro A Família de Felipe IV (As Meninas), que serviu de inspiração para diversos pintores décadas e décadas depois, como é o caso de Picasso que o representou em uma série de pinturas nomeada como As Meninas em 1957.
Além de famílias da nobreza espanhola, Velázquez também chegou a retratar privadamente anões e bobos da corte. Em seus retratos há um maior enfoque nas expressões faciais, além de trazer elementos do tenebrismo (técnica usada principalmente por Caravaggio) e realismo. Velázquez faleceu em 6 de agosto de 1660, na cidade de Madrid. Conquistou ao longo de sua vida diversos cargos importantes como Aposentador Real, foi condecorado com a Ordem de Santiago e viajou pela Itália como embaixador e artista espanhol.
Com um traço que transborda sensibilidade, Marco Somá é um artista italiano que em 2019 conquistou o prêmio Andersen Award de melhor ilustrador, uma das mais expressivas premiações da área. Suas ilustrações mesclam contos populares com um toque de poesia e criatividade que convidam o leitor a viajar e sonhar através de sua arte.
Marci Somà nasceu em Cuneo, na Itália, em 1983. Graduou-se em Pintura na Academia de Arte de sua cidade natal e após a conclusão do curso, decidiu se aprofundar no campo da ilustração e se inscreveu no mestrado da Escola de Ilustração Ars In Fábula, localizada na província de Macerata.
Sua paixão por animais e natureza fica evidente em suas publicações divididas entre as principais editoras italianas como EL, Rizzoli, Il Castoro, Kite Edizioni e Kalandra. Seu processo artístico muitas vezes demora em torno de 4 a 5 dias e consiste em anotar as frases e passagens que mais lhe impressionam ao ler e reler as histórias que vai ilustrar.
Inicia os desenhos com lápis, utilizando-se da técnica do claro e escuro e somente após digitalizar a imagem, o ilustrador italiano começa a colorir. Entretanto o processo de coloração não é digital, pois prepara fundos em aquarela ou tinta acrílica, sobrepondo-os ao lápis. A técnica mesclada com papéis coloridos e texturas resulta em incríveis efeitos tridimensionais.
Somà atualmente trabalha como ilustrador freelancer para livros infantis e ministra oficinas de Técnicas de Pintura e Quadrinhos na Academia de Arte de Cuneo. Suas ilustrações já foram selecionadas em diversas competições internacionais com obras como Robot, O chamado do pântano e A rainha das rãs não pode molhar os pés (publicado no Brasil em 2015 pela Editora Pulo do Gato).
Considerado o primeiro artista fantástico, El Bosco foi um pintor holandês que viveu entre os séculos XV e XVI. O artista surpreende com uma obra repleta de simbolismos diversos e que permanece de difícil interpretação até os dias atuais. Os elementos fantasiosos de suas pinturas mesclam-se com pinceladas de um realismo surpreende para a época e acredita-se que o estilo do artista brabantino tenha influenciado, séculos mais tardes, o movimento surrealista. 
Ao longo de sua carreira, 
O casamento com uma jovem de alta estirpe permitiu que El Bosco se dedicasse exclusivamente à pintura. Não demorou a se tornar uma referência artística em seu país e fora dele, principalmente da Espanha. Pouco se sabe de sua personalidade ou trajetória pessoal, porém suas obras descrevem um artista talentoso, refinado e de grande imaginação.
As mais famosas de suas obras foram em realizadas em tríptico, ou seja, eram constituídas por três painéis, sendo um fixo no meio e outros dois laterais ligados ao primeiro com dobradiças ou gonzos. É o caso dos quadros O Jardim das Delícias, As Tentações de Santo Antão e o Julgamento Final. Nestas telas o artista incorpora as suas habilidades excepcionais como desenhista e colorista para dar vida aos temores, pecados e vícios humanos, que assumem o seu característico tom fantasioso. Outras obras importantes de El Bosco são a Extração da Pedra da Loucura, O Carro de Feno e O Navio dos Loucos.
Para muitos críticos, como o historiador francês Marcel Brion, as obras de El Bosco exerceram grande influência para os artistas surrealistas. Afinal, o conteúdo de sua obra assume em muitos aspectos o tom onírico e obscuro encontrados no surrealismo. No entanto, não há um consenso real sobre isto, visto que os processos criativos de El Bosco e dos surrealistas eram completamente diferentes.
Integrou o grupo San Lucas Art Circle, associação criada por proeminentes artistas modernistas catalães e que pregava uma prática artística em conformidade com os preceitos católicos. Em 1882 participou de uma competição para decorar o salão principal da Universidade de Barcelona, sendo que três de seus trabalhos foram escolhidos para o projeto.
Em 1886, ano em que chegou em Paris, Baixeras fez a sua estreia internacional no Salão de Paris onde exibiu a tela Barqueiros de Barcelona e que foi vendida ali mesmo para um magnata de Nova York. Além desta, outras obras famosas de Dionísio Baixeras incluem Abd al-Rahman III Recebendo o Embaixador na Corte de Córdoba e Alphonse X, o Sábio com seus Colaboradores.
As ilustrações ricas em detalhes e de uma precisão impressionante fizeram de Lilly Ebstein um nome importante no ramo científico. O trabalho prestigiado se mescla com a singular história da ilustradora alemã que escolheu o Brasil para desenvolver a sua carreira e ajudar levar a área da ilustração científica brasileira a outro patamar. Lilly exerceu um trabalho de grande contribuição para duas instituições centrais de pesquisa do país, a Faculdade de Medicina e Cirurgia de São Paulo e o Instituto Biológico.
Lilly Ebstein nasceu em 7 de abril de 1897 na cidade de Breslau, Alemanha (região que atualmente pertence à Polônia). Filha de judeus alemães obteve, entre 1911 e 1914, formação em Fotografia Científica na renomada Escola Lette-Verein, em Berlim, instituição dedicada à profissionalização de mulheres desde 1866. Assim, após formada iniciou a sua carreira em 1914, ainda na capital alemã, como desenhista. Ilustrou publicações importantes como a Pathologische Anatomie, organizada pelo médico patologista Karl Albert Ludwig.
Em poucos anos, ganhou um papel de destaque como principal desenhista e fotomicrógrafa. A fotomicrografia é uma técnica com a qual é possível obter imagens ampliadas através de lentes ópticas poderosas, o que permite enxergar detalhes até então desconhecidos de microorganismos, células, entre outros e tem papel importante. Lilly participou da restruturação da faculdade que teve foco nas áreas voltadas à ciência e pesquisa e garantiu à instituição o seu lugar como centro de pesquisa médica e divulgação do conhecimento no país.
Além de ilustrar artigos acadêmicos, somando um total de 22 publicações em 4 anos, Lilly contribuiu também com ilustrações para duas teses de doutorado. Seu trabalho excepcional lhe proporcionou, em 1932, o cargo de Desenhista Foto-Micrógrafa Chefe. Em meados dos anos 1930 a ilustradora científica colaborou também com o Instituto Biológico de Defesa Agrícola e Animal que embora tenha sido fundado em 1927, em pouco tempo se tornou reconhecido nacional e internacionalmente.
A ilustração científica é um trabalho de extrema complexidade, pois visa representar de maneira minuciosa os mais diversos aspectos do objeto de pesquisa. Lilly se destacava por conseguir transmitir com precisão texturas, pelagens e outros detalhes que às vezes se camuflam até mesmo em fotos. Seu material de trabalho era constituído por microscópios e lupas, para ampliar o máximo possível as particularidades invisíveis a olho nu e que posteriormente ela representava em papel.
Glauco Rodrigues foi um importante pintor brasileiro de arte contemporânea. Ao longo de sua vida também se dedicou aos ofícios de gravador, desenhista, ilustrador e cenógrafo, deixando uma obra marcada por influência da Pop Art em que retrata com humor diversos aspectos da cultura brasileira.
No início da década de 1950 a obra de Glauco Rodrigues é marcada por representações da vida no campo e costumes regionais. Também participa de duas associações de artistas: o Clube de Gravura de Bagé, que ajudou a fundar, e o Clube de Gravura de Porto Alegre. No final desta década, enquanto reside em Roma, na Itália, suas produções se voltam para a abstração. É desta época Paisagem de Porto Alegre, 1957.
Já na década de 1960 o artista retorna ao estilo figurativo e sob a influência da Pop Art concebe obras humoradas com temáticas brasileiras como carnaval, futebol e natureza tropical. Assim nasceram produções como Terra Brasilis, 1970 e Carta de Pero Vaz de Caminha, 1971, em que narra o descobrimento do Brasil por meio de história em quadrinhos. Além de retratar as paisagens e aspectos culturais brasileiros explorando em tom crítico diversos clichês populares, Glauco Rodrigues mescla a utilização de personagens históricos e contemporâneos.
Entre outras obras famosas de Glauco Rodrigues destaca-se o quadro A Primeira Missa do Brasil, com a qual o governo brasileiro presenteou o Papa João Paulo II em sua visita ao Brasil em 1980 e que se trata de uma releitura de uma obra homônima do artista Victor Meirelles. Rodrigues foi o criador da primeira versão da capa do livro Morte e Vida Severina, de João Cabral de Melo, como também do cartaz do icônico filme Garota de Ipanema, Leon Hirzman.
Glauco Rodrigues ao longo de sua carreira recebeu prêmios importantes, como o Golfinho de Ouro Artes Plásticas do Governo do Estado do Rio de Janeiro, em 1987 e Ministério da Cultura Cândido Portinari de Artes Plásticas, em 1999. Criou em 2000 um imenso mosaico feito com pastilhas, situado na entrada da Fundação Oswaldo Cruz, em que retratou as históricas expedições amazônicas como também destacou as figuras de Oswaldo Cruz, Carlos Chagas e Louis Pasteur. O artista plástico gaúcho faleceu em 19 de março de 2004, no Rio de Janeiro.
Renomado médico, botânico e antropólogo, Von Martius foi também um pintor naturalista e um dos responsáveis por catalogar as riquezas naturais brasileiras à partir de uma expedição que se iniciou em 1817 e durou cerca de 3 anos. Seus estudos e descobertas, além de classificar os biomas brasileiros tal qual os conhecemos hoje, também registrou mais 22 mil espécies de plantas. Seus desenhos resultaram em importantes publicações sobre o território, cultura e costumes da sociedade brasileira do século XIX.
Carl Friedrich Philipp von Martius nasceu em 17 de abril de 1794 na cidade de Erlangen, no estado da Baviera, Alemanha. Seu pai era do ramo farmacêutico, o que influenciou na escolha de Von Martius por estudar medicina. Seu interesse por botânica emergiu ainda na faculdade, sendo tema do seu trabalho de conclusão de curso.
No século XIX o Brasil já despertava interesse mundial, principalmente dos países do Velho Mundo. Muito do seu território e oportunidades eram uma incógnita e as expedições com o intuito de desbravá-lo poderia colocar qualquer país em vantagem sobre os demais. Assim pensando, o Estado Bávaro uniu forças com a Áustria.
Encarregado da seção de botânica, Von Martius desembarcou em 15 de julho de 1817 no Rio de Janeiro onde iniciou as suas expedições, depois seguiu para São Paulo e Minas Gerais. Após desbravar a região sudeste, esteve em Goiás e Bahia, atravessando posteriormente os sertões de Pernambuco, Piauí e Maranhão, parte da viagem que se revelou absolutamente desafiadora e perigosa. Por fim, percorreram durante 8 meses a região da bacia do Rio Amazonas até alcançar a fronteira com a Colômbia.
Uma doença acometeu Von Spix, chefe de zoologia da expedição, o que fez o grupo antecipar o retorno à Alemanha. De volta ao seu país natal, em 1820, Von Martius dedicou-se em compilar seus estudos e transformá-los em valiosas publicações e que são referências até hoje sobre o Brasil. Uma destas publicações é o livro Viagem ao Brasil, concebido em conjunto com Von Spix. Porém foi Flora Brasiliensis, a obra mais importante de Von Martius e que alçou o seu nome internacionalmente. Dividida em 40 volumes, conta com 20.733 páginas escritas ao longo de 66 anos, por isso, Von Martius não viu a sua conclusão.
Famoso por desenvolver, junto com George Seurat, a técnica do Pontilhismo, Paul Signac foi um importante pintor francês. Suas obras chamam a atenção pelo uso meticuloso das cores primárias através de pequenos pontos combinados com o intuito de criar diferentes efeitos de luzes ao olhar do espectador, assim como as obras de seus colegas precursores do movimento Impressionista.
Seus primeiros aprendizados sobre artes ocorreram de forma autodidata, porém Signac chegou a frequentar de maneira irregular algumas aulas na Escola de Artes Decorativas. Conheceu George Seurat aos 21 anos e com o amigo tornou-se um dos impulsionadores do Movimento do Divisionismo que tinha como intuito ampliar os principais conceitos cunhados pelo Impressionismo. Surgindo como uma variante do neo-impressionismo, o pontilhismo se caracteriza pela aplicação de pequenas pinceladas de cores puras sobre a tela.
Signac se dedicou ao ofício da pintura como um exímio pesquisador e cientista, testando com afinco os diferentes efeitos de luzes e combinações de cores para criar diversas impressões. Apaixonado por barcos e paisagens, encontrou em Saint-Tropez a inspiração perfeita para as suas produções artísticas. Se destacando também pela qualidade impressionante de suas aquarelas. Fundou, junto com Seurat, a Sociedade dos Artistas Independentes, e em 1884 realizou a primeira exposição da associação.
Entre as obras mais famosas de Paul Signac se destacam O Porto de Saint-Tropez, 1899, Venice de Pink Cloud, 1909, Retrato de Félix Féneon, 1890 e Sala de Jantar, 1887. Além das pinturas, Signac lançou em 1899 um importante texto sobre a teoria do Divisionismo e também um tratado completo sobre aquarela em 1927. O artista francês faleceu na cidade de Paris, em 1935.