Conhecido principalmente por suas representações de bandeirinhas de festa junina e casarios, o pintor ítalo-brasileiro Alfredo Volpi destacou-se na segunda fase do modernismo no Brasil. Participou das três primeiras Bienais Internacionais de São Paulo, dividindo com Di Cavacalti o prêmio de Melhor Pintor Nacional de 1953.
Alfredo Volpi nasceu em 14 de abril de 1896, em Lucca, na Itália. Um ano após o seu nascimento, seus pais decidiram imigrar para o Brasil, estabelecendo-se na cidade de São Paulo. Ainda criança, Volpi estudou na Escola Profissional Masculina do Brás (atual Escola Técnica 
Estadual Getúlio Vargas) especializada no ensino das artes e ofícios, e que tinha como principal objetivo qualificar as camadas populares para o trabalho na indústria e no comércio.
Após sua formação, o jovem Volpi começou a trabalhar como marceneiro, entalhador e encanador. Já em 1911 iniciou o ofício de pintor decorador, pintando sobre madeiras e telas. Seus principais clientes eram famílias da alta sociedade paulista e durante algum tempo ele dividiu os trabalhos com o amigo Antonio Ponce Paz, pintor e escultor espanhol. Em 1918 realizou a decoração mural do Hospital do Ipiranga, projeto que também teve a participação do pintor Alfredo Tarquínio.
Volpi participou do influente Grupo Santa Helena, que iniciou as suas atividades com os artistas Francisco Rebolo e Mario Zanini, na década de 1930. Também participa da formação do Sindicato dos Artistas Plásticos em 1936 e no ano seguinte, torna-se membro da Família Artística Paulista. Foi nessa ocasião em que realizou a sua primeira exposição individual.
As primeiras obras de Volpi são figurativas, compostas principalmente pela série de marinhas e paisagens urbanas, realizadas em Itanhaém. Uma de suas influências na época era o pintor italiano Ernesto de Fiori que recém-chegado da Itália ensina a importância dos elementos plásticos e formais na pintura, além do uso de cores vivas e foscas. Aprendizado que ajudou Volpi a se tornar um grande colorista.
Contudo, em 1950 Volpi viaja para a Europa e tem passagens por Paris e 
Veneza e intensifica o seu interesse por pintores pré-renascentistas. Conhece também as obras do pintor renascentista Paolo Uccello e fica maravilhado com os jogos de ilusão que criam um efeito em que a figura se projeta para frente. A obra de Volpi então evolui para um abstracionismo geométrico, destacando-se a série de bandeiras e mastros de festas juninas. Na mesma época, pinta afrescos para a Capela da Nossa de Fátima e alguns quadros com temas religiosos.
Algumas das principais obras de Alfredo Volpi são Mulata (1927), Festa de São João (1953), Grande Fachada Festiva (1950) e Sereia (1960). O artista continuou a sua produção artística até meados dos anos 1980 e é possível ver um gradual amadurecimento em seus trabalhos. Alfredo Volpi faleceu em 1988, aos 92 anos de idade, na cidade de São Paulo.
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Fugindo ao idealismo e artificialidade tão presentes no neoclassicismo e romantismo, surge o realismo. O movimento realista ganhou força nas últimas décadas do século XIX e teve o seu primeiro foco na França, estendendo-se posteriormente para os demais países e continentes. Tinha como principal intenção o retrato da vida da classe média e baixa tal como ela era, com seus problemas e costumes característicos da época.
dominação do capitalismo que a escola realista se desenvolveu. Os artistas adeptos do movimento partiam da observação da realidade, se voltando também para a razão e a ciência. O progresso técnico conflita com as excentricidades do romantismo, transitando então do belo e ideal para o real e objetivo.
desigualdades sociais. Nesse viés, os pintores realistas trazem para os seus quadros paisagens e retratos com cores mais sóbrias e pinceladas livres com o intuito de levar à cena a realidade de uma maneira mais fiel. Outra característica importante do realismo é a ausência de heróis, as telas são protagonizadas por pessoas comuns com abordagem de temas cotidianos.
Os principais nomes do realismo nas artes visuais são Gustave Courbet, Édouard Manet, Honoré Daumier, Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet e Théodore Rousseau. O termo realismo inclusive foi cunhado por Courbet, que impedido de participar da Exposição Universal, uma vez que a crítica considerou os seus quadros ofensivos por conta do retrato cru da realidade, organizou ao lado desta a sua própria exposição denominada Le Réalisme.
Entre as principais obras do realismo, destacam-se Os quebradores de Pedras (Courbet-1849), Enterro em Ornans (Courbet-1849-50), Angelus (Millet-1857-1859), As Catadoras (Millet-1857) e O Almoço sobre a relva (Manet-1862-1863), esta última obra, inclusive, serviu como inspiração para o movimento que precedeu o realismo, o impressionismo.
Vale ressaltar que o movimento realista difere da técnica realista de pintura que busca retratar principalmente os objetos e pessoas tal qual uma fotografia, reproduzindo cada detalhe o mais fiel possível. No realismo, entretanto, o foco é a representação da realidade com seus conflitos sociais mais comuns, o cotidiano dos menos favorecidos e a bucólica vida no campo.
Reconhecido como um dos precursores do movimento realista, Jean-François Millet ficou famoso especialmente por suas representações de trabalhadores rurais. O pintor realista francês também foi um dos fundadores da Escola de Barbizon, na França, movimento artístico que tinha como principal temática as paisagens e outras cenas naturais.
se para Paris, se tornou aprendiz do pintor Paul Delaroche e foi incentivado a estudar os grandes mestres do Louvre, como Giorgione, Michelangelo e Poussin.
É nesta ocasião que consegue expor pela primeira vez no Salão de Paris, onde conhece Théodore Rousseau e Constant Tryon. Sob influência destes dois pintores, Millet muda-se para a aldeia de Barbizon e começa a pintar quadros de paisagens e da vida rural. Embora a crítica não tenha sido favorável no início, a revolução popular de 1848 foi decisiva para que Millet conquistasse o seu lugar na arte francesa.
Contudo logo em 1849, o artista rompe com a Escola de Barbizon e começa a se dedicar à representação dos trabalhadores rurais em diversas cenas cotidianas. Embora o realismo pregasse uma visão mais objetiva da realidade, em detrimento ao idealismo romântico, as obras de Millet são consideradas sentimentais e piegas.
seus sentimentos com dignidade, além disso, havia uma preferência por tons de ocre e marrom, empregadas com suavidade e pinceladas mais livres.
Considerado um dos mais proeminentes pintores impressionistas oriundos da Califórnia, Guy Rose foi um dos primeiros artistas americanos a receber uma menção honrosa no Salão Oficial de Paris. Tornou-se amigo de Claude Monet, pintor que exerceu grande influência no desenvolvimento do seu estilo artístico.
convalescença passou a esboçar alguns rascunhos e pintar com tinta óleo.
Envolto no ambiente de inovação proposto pelo movimento impressionista, Guy Rose destacou-se empregando com maestria os principais preceitos da dessa nova escola artística. Assim como o amigo Monet, adquiriu o hábito de pintar a mesma cena em diversos momentos do dia para registrar os diferentes efeitos da luz sobre a paisagem. Entre as principais obras de Guy Rose, destacam-se A Catedral (1910), The Green Mirror (1911), No Bosque de carvalhos (1919) e A Modelo (1919). 
Contudo em 1914, os Roses vão morar permanentemente em Los Angeles, após sofrerem os efeitos de intoxicação pelo uso de tinta óleo, que na época ainda recebia chumbo em sua composição. Em Los Angeles lecionou e atuou como diretor da Escola de Arte Stickney Memorial. Já em 1921 o artista sofreu um derrame que o deixou paralítico. Rose faleceu em 1925, em Pasadena, na Califórnia.
A parceria entre o jornalista Apparício Torelly, o Barão de Itararé e o caricaturista Guevara resultou no Almanhaque. A publicação que teve sua primeira tiragem em 1949 parodiava os almanaques da época e foi um verdadeiro sucesso. O Almanhaque do Barão de Itararé continha textos, jogos, passatempos, contos e tirinhas recheadas de um humor ácido e contestador, combinação que até hoje é referência entres as publicações brasileiras.
Iniciou a sua carreira como colaborador do jornal A Manhã, em 1925, publicando sonetos de humor que tinham como tema um político da época. Também foi fundador do Jornal do Povo em 1934, publicação que durou apenas 10 dias, e do jornal A Manha que circulou ativamente entre 1926 e 1935.
Depois foi morar na Argentina em 1930, ocasião em que começou a usar modernas técnicas de diagramação e planejamento gráfico, tornando-se referência como artista gráfico. Foi criador do projeto gráfico e logotipo do jornal Clarin, fundado em 1945 e que se tornou o jornal de maior tiragem da Argentina.
O traço do artista paraguaio fica visível no brasão do Barão de Itararé como na maior parte dos desenhos que compõem o Almanhaque. Guevara então já havia suavizado o seu estilo geométrico, passando a usar uma abordagem mais despojada e cartunesca. Sucesso garantido, a publicação chegou a ganhar duas novas tiragens em 1955.
Criador da tira Mutts, Patrick McDonnell é um ilustrador, autor best-seller e cartunista americano. A publicação de Mutts já apareceu em mais de 700 jornais em 20 países e atualmente, o artista dedica-se à criação de livros infantis, além de se envolver ativamente com instituições de caridade animal e ambiental.
Durante esse tempo o artista também colaborava regularmente em revistas de seu país como Sports Illustrated, Readers Digest e Forbes. Uma de suas marcas registradas era que costumava incluir um cachorro no fundo de suas ilustrações.
Em 1994 criou a tira humorística Mutts, que narra as aventuras de Mooch, um gato e Earl, um cachorro, baseada em seus animais de estimação. Com um humor inteligente, o cartoon é recomendado para crianças e adultos. No Brasil, Mutts foi publicado em 2009 pela editora Devir e em 2015 pela Pixel Media.
história de um gatinho chamado Jules que percorre o mundo abraçando espécies ameaçadas de extinção.
Por seu trabalho, McDonnell já foi diversas vezes premiado, destacando-se o National Cartoonist Society Award for Magazine and Book Illustration em 1991, National Cartoonists Society’s Reuben Award (nominee) em 1997 e 1998 e o Caldecott Honor em 2012.
Com um trabalho totalmente inovador, o ilustrador Jordi Labanda consagrou-se como um dos artistas contemporâneos mais bem-sucedidos na sua área. Seu trabalho pode ser conferido em revistas, jornais, roupas, comerciais de televisão, anúncios de diversos tipos e álbuns de música. Indo na contramão do humor gráfico que na Espanha é totalmente voltado para os homens, Labanda cria um ambiente em que as mulheres possam se identificar e se divertir também.
Nascido em 1968 em Mercedes no Uruguai, Jordi Labanda Blanco mudou-se aos três anos de idade com a família para Barcelona, na Espanha, onde vive desde então. Em Barcelona cursou desenho industrial e decidiu dedicar-se à ilustração comercial em meados dos anos 90.
Desde então, Labanda figura nas mais influentes publicações mundiais de moda e estilo tais como Vogue Japão, Bergdorf Goodman Magazine, Apartamento, Fanzine137, Candy, Harpers Bazaar ou The Magazine of La Vanguardia (Barcelona).
O ilustrador uruguaio já teve a sua obra exposta em museus e galerias de Tóquio, Paris, Barcelona, Florença e Buenos Aires. Além disso, uma parte de seu trabalho foi compilada e lançada no livro Heyday.
sociedade de consumo, às vezes de uma maneira mais irônica, em outras com uma mensagem mais sutil. Contudo, sempre com uma visão graciosa para as relações sociais e a vida nas grandes cidades.
Considerado um dos mais célebres artistas de seu tempo, Michelangelo se destacou não apenas como pintor e escultor, como também se dedicou à poesia e arquitetura florentina.
Desta maneira, assim que atingiu certa idade, Michelangelo foi enviado por seu pai para estudar com Francesco da Urbino, um tutor que também era artista. Entretanto o jovem fez pouco progresso nas matérias prestigiadas como gramática, latim e matemática, demonstrando verdadeiro interesse em desenhar, para desespero da família, que tinha as artes como algo indigno à nobreza.
Nesta fase, Michelangelo começou a desenvolver algumas esculturas que chamaram a atenção para o seu talento, como a Madonna da Escada, feita em baixo relevo e a Centauromaquia, esta última em alto relevo.
Entre os anos de 1508 e 1512 desenvolveu outro de seus trabalhos de maior notoriedade: pintou o teto da Capela Sistina do Vaticano, embora um tanto a contra gosto, pois preferia o ofício de escultor ao de pintor. Ainda na Capela Sistina pintou O Último Julgamento na janela do altar, entre os anos de 1534 e 1541.
esculturas frequentemente o mármore e os esboços de suas pinturas ou desenhos eram, em sua maioria, desenvolvidos com a técnica da sanguínea.
O nome de Mary GrandPré ficou mundialmente conhecido como a ilustradora da versão americana da aclamada série de livros Harry Potter. Entretanto, a premiada artista que já possui mais de 30 anos de carreira, coleciona em seu currículo diversos trabalhos que abrangem a ilustração de mais de 20 livros, uma ilustração para a capa da revista Time e ilustrações para a animação Formiguinhaz.
Antes de se tornar a famosa ilustradora de Harry Potter, porém, Mary GrandPré lutou para ser notada pelas agências de publicidade e passou alguns anos trabalhando como garçonete. Seus primeiros trabalhos foram com publicidade e em periódicos como The New Yorker , The Atlantic Monthly e The Wall Street Journal. Em seguida, chamou a atenção de um executivo da Dreamworks que a convidou para criar algumas paisagens para o filme Formiguinhaz.
Assim, a artista desenvolveu o seu estilo único, que ela mesma descreve como uma “geometria suave”, com pasteis. Além disso, prefere criar seu trabalho totalmente à mão, sem a utilização de computador. Alguns artistas que inspiram seu trabalho são o americano Edward Hopper, que realizou trabalhos como pintor, artista gráfico e lustrador e o pintor surrealista Marc Chagal.
Por uma questão de agenda, Mary quase recusou o convite para ilustrar Harry Potter, feito por David Saylor da editora Scholastic. A artista apenas se deu conta da grandiosidade do trabalho quando já estava no terceiro livro e a série já havia estourado mundialmente.
Mary também destaca que prefere trabalhar com as suas próprias pinturas, o que lhe dá mais liberdade de criar e refazer caso seja necessário, diferentemente de um trabalho sob encomenda, como o de Harry Potter, em que precisa ser o mais fiel possível ao que o autor descreve, sem contar à gama de fãs que estão atentos a qualquer detalhe e são muito exigentes.
Considerado o maior representante da Pop Art, o artista norte-americano Andy Warhol consagrou-se na pintura e no cinema. Entre seus trabalhos de maior expressividade destacam-se as suas famosas serigrafias coloridas de rostos de personalidades como Marilyn Monroe, Elvis Presley e Elisabeth Taylor.
Warhol graduou-se em Design pelo Instituto de Tecnologia de Carnegie e depois se mudou para Nova York onde começou a trabalhar como ilustrador em revistas importantes como Vogue e The New Yorker, além de desenvolver alguns materiais publicitários para lojas.
Na década de 1960 seu trabalho começa a dar uma guinada impressionante. Utilizando-se de conceitos publicitários, passa a estabelecer um estilo único com o uso de cores fortes e brilhantes, com enfoque em objetos de consumo e temas do cotidiano. É desta época uma das suas obras mais conhecidas, a série de Latas de Sopa Campbell, produzida em 1962.
Foi neste momento de sua carreira que começou a representar rostos de figuras icônicas da época e da história da arte em serigrafia com variações de cores. Além da técnica de serigrafia, Warhol revoluciona ao usar em suas obras colagens e materiais descartáveis. O artista também começa a explorar a sétima arte, produzindo diversos filmes.