O Fotorrealismo é um movimento artístico que surgiu em meados da década de 1960 nos Estados Unidos. Opondo-se ao minimalismo e o expressionismo abstrato, o fotorrealismo propunha reproduzir com fidelidade as imagens, fossem cenas cotidianas ou pessoas, tal como uma fotografia.
O realismo já havia sido refutado pela arte modernista da década de 1950, uma vez que a fotografia assumira o papel de capturar a realidade em seus mais minuciosos detalhes. Entretanto, a fotografia começa a ser usada como base de trabalho para diversos pintores, permitindo congelar um momento efêmero para que este fosse posteriormente reproduzido em tela com maior fidelidade.
Contudo, muitos críticos de arte viam a prática como uma limitação da criatividade do artista. Ao passo que muitas correntes artísticas, inclusive o fotorrealismo, se opunham à banalização da imagem causada pela imensa quantidade de fotos que uma câmera fotográfica poderia conceber.
Influenciado pela Pop Art, surge então o fotorrealismo, denominado pelo autor americano Louis K. Meisel que também foi responsável pela caracterização da escola fotorrealista a pedido de Stuart M. Speiser, curador da exposição Fotorrealismo 1973 – A Coleção Stuart M. Speiser.
A caracterização proposta por Meisel estabelecia cinco princípios sendo estes o uso da câmera e fotografia para coletar informação; uso de recursos mecânicos e semi-mecânicos para transferir a informação para a tela; o fotorrealista deve ter habilidade suficiente para fazer com que a pintura se pareça com uma fotografia; além disso, deve ter exibido obras neste estilo antes de 1972 para poder ser classificado como um dos fundadores da escola e por fim, deve ter trabalhado há pelo menos cinco anos nesta técnica.
Para se alcançar a precisão fotográfica muitos artistas recorrem ao uso da técnica do quadriculado ou outras formas de projeção, até mesmo porque a obra fotorrealista muitas vezes ganha dimensões muito maiores do que o objeto real que será reproduzido.
Entre os principais artistas fundadores do fotorrealismo destacam-se Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack, Don Eddy, Robert Bechtle e Tom Blackwell. Estes artistas desenvolveram linhas de trabalho distintas, porém com técnicas bastante semelhantes. Em suas obras são retratadas paisagens, retratos, natureza morta e cenários urbanos.
Do fotorrealismo derivou-se o hiper-realismo, corrente artística que se desenvolveu através dos avanços tecnológicos e tem como princípio reproduzir as imagens minuciosamente e de maneira muito mais detalhista e mais próximo possível de uma fotografia.
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Crédito Imagens: https://www.wikiart.org https://www.artsy.net
Renomado artista plástico mexicano, Diego Rivera destacou-se na prática do muralismo. Através de seu trabalho artístico, buscava resgatar as raízes de seu povo e enaltecer a cultura mexicana. Famoso por suas ideologias políticas e vida amorosa conturbada, teve quatro casamentos, um dos quais com ninguém menos que Frida Kahlo.
diversas figuras artísticas de destaque e que viriam a influenciar a sua obra como Picasso, Dalí, Miró e o arquiteto Antonio Gaudí.
Diego Rivera era ateu e comunista, dois aspectos de sua vida que deixava transparecer fortemente em sua produção artística. Em 1930 o artista mexicano empreendeu uma viagem aos Estados Unidos, onde permaneceu por 4 anos. No país norte-americano, Rivera pintou diversos murais, destacando-se um no Rockfeller Center que foi eliminado antes mesmo de sua conclusão, pois o conteúdo era uma dura crítica ao capitalismo.
(1931), Vendedora de Flores (1941) e Carregador de Flores (1935). O artista era dotado de um estilo expressivo, abordando temas nacionais, sociais e culturais de forma direta, fazendo uso abundante de cores vivas. Diego Rivera faleceu aos 70 anos, deixando uma vasta obra composta por mais de três mil quadros, cinco mil desenhos e por volta de cinco mil metros de murais.
As pinturas e desenhos de Norman Rockwell impressionam pela perfeição quase fotográfica em cada traço e escolha de cores. O artista é responsável por um conjunto de obras icônicas que rodaram o mundo e retratam o cotidiano e desafios da sociedade norte americana marcada pelas guerras do século XX.
Dono de um processo criativo meticuloso, Rockwell utilizava como base para os seus desenhos fotografias que ele tirava.
Tinha um verdadeiro apreço em retratar as feições de seus modelos de maneira detalhista. O enfoque de suas pinturas e ilustrações está quase
Por este motivo o uso da fotografia era um recurso tão importante para o desenvolvimento do seu trabalho, pois em seu estúdio o artista pedia que os modelos fizessem expressões que eles só poderiam conservar por um breve momento.
Embora não muito aclamado pela crítica da época, Norman Rockell tornou-se bastante popular, deixando um trabalho significativo, influenciando diversos artistas até mesmo na música.
Célebre artista plástico brasileiro, Burle Marx ganhou fama internacional com o seu trabalho na área de paisagismo. Visionário e multidisciplinar, Burle Marx desenvolveu também trabalhos como pintor, gravador, litógrafo, escultor, tapeceiro, ceramista, design de joias e decorador.
de 1928 a 1929. Além de ter contato com as vanguardas artísticas, visitou exposições de artistas de destaque como Picasso, Matisse e Van Gogh, e também estudou pintura no ateliê de Degner Klemn.
Seu primeiro projeto na área de paisagismo foi a Praça de Casa Forte no Recife. Na cidade nordestina Burle Marx assumiu o cargo Diretor de Parques e Jardins do Departamento de Arquitetura e Urbanismo de Pernambuco o que lhe permitiu desenvolver outros grandes projetos como a Praça do Entroncamento, Praça Euclides da Cunha, entre outras.
Nos anos 1980, a cultura hip hop ganhou força no Brasil e, em São Paulo, dois irmãos gêmeos do bairro do Cambuci começaram a explorar os espaços públicos para se expressar por meio do grafite. A arte dos Gêmeos invadiu muros, prédios e galerias do Brasil e do mundo.
O que mais chama atenção para o trabalho dos OSGEMEOS, como eles assinam as suas obras, é a maneira como um complementa o outro artisticamente. No site dos artistas há a seguinte afirmação em destaque: “Nosso processo criativo é tão natural para nós, que é até difícil de explicar. Parece que existe um fio, vamos sempre estar conectados, mesmo quando estamos longe um do outro. É um vínculo eterno.”
comentou que “Sempre tenta transformar algum aspecto negativo [da cidade] em positivo, mesmo que de maneira impactante”. Além de enxergar o grafite como um elemento de “respiro” em meio ao caos da cidade.
